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Best Choice portrait pop art New Update

by Tratamien Torosace

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Photoshop Tutorial: How to make a POP ART portrait from a Photo! Update

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 Update Photoshop Tutorial: How to make a POP ART portrait from a Photo!
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David Bowie self-portrait and £400,000 pop art Bentley … Update

25/02/2022 · A David Bowie self-portrait, a Vivienne Westwood tweed crown and a £400,000 pop art Bentley are among the items representing Britain’s diverse cultural spirit up for auction in London next month …

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Ein Selbstporträt von David Bowie, eine Tweed-Krone von Vivienne Westwood und ein Pop-Art-Bentley im Wert von 400.000 Pfund gehören zu den Gegenständen, die den vielfältigen kulturellen Geist Großbritanniens repräsentieren und nächsten Monat in London versteigert werden den 1990er Jahren und anderen Zeiten des Nationalstolzes, umfasst auch ein Porträt der Queen, eine hyperrealistische Zeichnung der Modeikone Kate Moss und die von David Beckham getragene olympische Fackel 15.000 in den Bonhams Briten

Cool

Verkauf, wurde 1997 durchgeführt und gehörte zu einer Reihe von Gemälden mit dem Titel DHeads, die zwischen 1995 und 1997 entstanden

Nur wenige waren Selbstporträts von Bowie

Obwohl Malerei und Kunst einen großen Teil von Bowies Leben ausmachten, ist seine Arbeit äußerst selten auf dem Markt zu finden Der erste und einzige britische Pop-Art-Bentley ist eine farbenfrohe Version des Oldtimers

Das einzigartige Continental GT V8 S Convertible, das Ergebnis einer Zusammenarbeit zwischen Bentley Motors und dem Paten der britischen Pop-Art, Sir Peter Blake, wurde 2016 geschaffen und wird auf 300.000 bis 400.000 £ geschätzt

Das signierte Bowie-Selbstporträt wird erwartet bis zu 15.000 £ im Bonhams British zu holen

Cool

Verkauf, wurde 1997 durchgeführt und gehörte zu einer Reihe von Gemälden mit dem Titel DHeads, die zwischen 1995 und 1997 entstanden sind

Der weltweit erste und einzige britische Pop-Art-Bentley ist eine farbenfrohe Interpretation des Oldtimers

Das einzigartige Continental GT V8 S Convertible, das Ergebnis einer Zusammenarbeit zwischen Bentley Motors und dem Paten der britischen Pop Art, Sir Peter Blake, wurde 2016 geschaffen und wird auf 300.000 bis 400.000 £ geschätzt

Die Olympische Fackel London 2012, die von David Beckham zum Start des Fackellaufs getragen wird, hat einen Preis zwischen 20.000 und 30.000 £

Der anonyme Straßenkünstler Banksy versteigert zwei Drucke, Girl with Balloon, 2004, die zwischen 80,00 £ und 120.000 £ angeboten werden

Sein anderes Stück Jack & Jill (Police Kids), 2005, das auf 40.000 bis 60.000 Pfund geschätzt wird, zeigt die Kinderreimkinder in stichsicheren Polizeiwesten

Chris Levines Porträt von Queen Elizabeth II, Lightness of Being (Crystal Edition), hat eine Schätzung von £8.000-12.000

Und eine hyperrealistische Zeichnung von Kate Moss, die exklusiv für den Verkauf von Kelvin Okafor geschaffen wurde, der sich auf Bleistiftporträts spezialisiert hat, hat einen Wert von 10.000 bis 15.000 Pfund

Eine löwenähnliche Figur aus glasiertem Steingut mit „Vote Labour“ auf der Seite, hergestellt von Grayson Perry, wird schätzungsweise zwischen 15.000 und 25.000 £ verkauft

Tony Blair, Union Jack-Kleider und Football’s Coming Home: Der Aufstieg und Fall der coolen Britannia Von Union Jack-Kleidern bis hin zu Britpop-Chartschlachten in den Nachtnachrichten waren die Neunziger eine Zeit, in der alles, was wichtig zu sein schien, hell, frech und britisch war , und London war wieder einmal die kulturelle Hauptstadt der Welt

Cool Britannia – ein Wortspiel mit der Hymne Rule Britannia – war der Ausdruck, der geprägt wurde, um ein gesteigertes Gefühl von Stolz und Optimismus im Vereinigten Königreich nach turbulenten Zeiten in den 70er und 80er Jahren darzustellen

Den Soundtrack zum Leben im Großbritannien der 90er lieferten Oasis, Blur und natürlich die Spice Girls, während Chris Evans das Fernsehen zur Hauptsendezeit neu erfand

Der Fußball kam nach Hause – dem Namen nach, wenn auch leider nicht wirklichem Ruhm -, als England 1996 die Europameisterschaft ausrichtete, während Tracey Emins ungemachtes Bett die Kunstwelt erschütterte

Politisch bedeutete der Erdrutschsieg für Tony Blair und New Labour eine Änderung der Einstellung und den zunehmend vertrauten Anblick von Rockstars, die in No10 eingeladen wurden

Sogar die Amerikaner bemerkten, dass an diesen Ufern etwas los war, als das Magazin Vanity Fair dem Phänomen Cool Britannia eine Ausgabe widmete und „London Swings Again“ verkündete – mit Liam Gallagher und seiner zukünftigen Frau Patsy Kensit, die sich auf einem Bett ausruhten mit Union Jack auf der Titelseite, während Model Kate Moss zu einem globalen Bild des Glamours wurde

Aber im Laufe des Jahrzehnts geriet Britpop ins Stocken, Evans gab auf und die Liebesaffäre der kreativen Welt mit Blair kühlte ab

Noch vor Ende des Sommers 1997 hatte der Tod von Prinzessin Diana in Paris die Stimmung in der Nation verändert, und man hatte schnell das Gefühl, dass die Cool-Britannia-Bewegung der Vergangenheit angehörte

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Die Olympische Fackel London 2012, die von David Beckham zum Start des Fackellaufs getragen wird, hat einen Preis zwischen 20.000 und 30.000 £

Der anonyme Straßenkünstler Banksy versteigert fünf Drucke, Girl with Balloon, 2004, die zwischen 80.00 und 120.000 £ angeboten werden

Mit Bleistift nummeriert 133/600 als Siebdruck in Schwarz und Rot, zeigt er ein kleines Mädchen, das vermietet gehen Sie von einem herzförmigen Ballon

Ein weiteres seiner Stücke, Jack & Jill (Police Kids), 2005, geschätzt auf 40.000 bis 60.000 £, zeigt die Kinderreimkinder in stichsicheren Polizeiwesten

Chris Levines Porträt von Königin Elizabeth II , Lightness of Being (Crystal Edition), hat einen Schätzpreis von £8.000-12.000 15.000.

Eine löwenähnliche Figur aus glasiertem Steingut mit „Vote Labour“ auf der Seite, hergestellt von Grayson Perry, wird schätzungsweise zwischen 15.000 und 25.000 £ verkauft

Dieses Werk wurde vom Künstler für das Labour Election Gala Dinner geschaffen Juli 2014, wo es vom jetzigen Besitzer erworben wurde

Punk-Queen und Modeikone Vivi enne Westwoods Harris Tweed Crown aus ihrer Herbst/Winter-Show 1987-88 könnte bis zu 1.200 £ einbringen

Wir freuen uns, die Briten zurückzubringen

Cool

dieses Jahr, und eine so große Auswahl an wundervollen Artikeln anzubieten, die den vielfältigen kulturellen Geist der Nation wirklich einfangen.

„Es ist besonders aufregend, mit dem unglaublich talentierten Kelvin Okafor zusammenzuarbeiten und seine beeindruckende Bleistiftzeichnung anbieten zu können von Kate Moss neben Chris Levines fesselndem Porträt von Königin Elizabeth II

– zweifellos zwei der kultigsten kulturellen Gesichter Großbritanniens.’

Bonhams wurde 1793 gegründet und ist eines der weltweit größten und renommiertesten Auktionshäuser, das Kunst und Antiquitäten, Autos und Luxusartikel anbietet

Die Hauptverkaufsräume befinden sich in London, New York, Los Angeles und Hongkong, in denen auch Auktionen stattfinden Knightsbridge, Edinburgh, Paris, San Francisco und Sydney.

Inkscape Tutorial : How Create WPAP Art (Wedha’s Pop Art Portrait) New

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 Update Inkscape Tutorial : How Create WPAP Art (Wedha's Pop Art Portrait)
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Kate Moss portrait and pop art Bentley among items at … Neueste

28/02/2022 · An original portrait of model Kate Moss and a one-of-a-kind pop art Bentley are going up for auction with other mementos that capture Britain’s cultural diversity.. The collection of artwork, photographs, popular culture memorabilia, fashion pieces and prints will go up …

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Porträt von Kate Moss und Pop-Art-Bentley unter britischen Erinnerungsstücken, die zum Verkauf stehen (Victoria Jones/PA) (PA Wire)

Ein Originalporträt von Model Kate Moss und ein einzigartiger Pop-Art-Bentley werden zusammen mit anderen Erinnerungsstücken versteigert, die die kulturelle Vielfalt Großbritanniens widerspiegeln wird am 3

März zum Verkauf angeboten

Der weltweit erste und einzige Pop-Art-Bentley, eine Zusammenarbeit zwischen der Autofirma und Sir Peter Blake im Jahr 2016, wird schätzungsweise für bis zu 400.000 £ verkauft

Ein Galerieassistent posiert mit dem weltweit ersten und nur der britische Pop-Art-Bentley, ein 2016er Bentley Continental GT V8 S Convertible (Victoria Jones/PA) (PA Wire)

Unterdessen hat eine hyperrealistische Zeichnung von Moss, die Kelvin Okafor exklusiv für den Verkauf geschaffen hat, eine obere Schätzung von 15.000 £ icon.

„Mit über 5.000 untersuchten Fotos und unzähligen angeschauten Videoaufnahmen glaubte ich, über genügend Material zu verfügen, um Kate Moss in einem Licht einzufangen, das ihre Essenz und Schönheit darstellt

„Ich entschied mich dafür, hauptsächlich an einem Bild von zu arbeiten Kate fotografiert von dem angesehenen Fotografenduo Luigi und Iango

„Das Foto, das sie von Kate aufgenommen haben, war für Vogue Hong Kong 2021.

„Ihr Gesichtsausdruck spiegelte eine zeitlose natürliche Schönheit wider, die trotz aller Widrigkeiten berühmt wurde.“ Zu den weiteren Gegenständen aus der British Cool-Kollektion von Bonhams gehören eine olympische Fackel von London 2012, die von David Beckham getragen wurde (Schätzung 20.000 bis 30.000 Pfund) und Banksys Zeichnung Girl With Balloon (Schätzung 80.000 bis 120.000 Pfund)

Lightness of Being Crystal Edition wird während ihres Platin-Jubiläumsjahres für bis zu 12.000 £ verkauft

Der Künstler Kelvin Okafor hält seine Graphit- und Kohlezeichnung von Kate Moss (Victoria Jones/PA) (PA Wire)

Das originale Tattooist-Straßenschild von Diamond Jacks aus dem Jahr 1985 steht ebenfalls zum Verkauf und könnte 15.000 Pfund einbringen

Janet Hardie, Verkaufsleiterin bei Bonhams, sagte: „Wir freuen uns, dieses Jahr die britische Coolness zurückzubringen und eine so große Auswahl an wunderbaren Artikeln anzubieten, die den vielfältigen kulturellen Geist der Nation wirklich einfangen Es ist aufregend, mit dem unglaublich talentierten Kelvin Okafor zusammenzuarbeiten und seine beeindruckende Bleistiftzeichnung von Kate Moss neben Chris Levines fesselndem Porträt von Königin Elizabeth II

anbieten zu können – zweifellos zwei der kultigsten kulturellen Gesichter Großbritanniens.“

Leine Art Night für Zuhause / Acrylmalerei für Anfänger/ Pop-Art Portrait in Andy Warhols Still New

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Portrait Art: History, Types – Visual Arts Encyclopedia Update New

This trend is exemplified in PopArt portraits by Andy Warhol (1928-87), whose print portraits of Elvis, Marilyn Monroe, … Characteristics of Portrait Art. Like any genre of painting, portrait art reflected the prevailing style of painting. In early Egypt, painted portraits and relief sculptures only showed the subject in profile.

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Promi-Porträts

Berühmte Persönlichkeiten waren schon immer ein begehrtes Motiv (oder Ziel) professioneller Künstler, von der Renaissance bis zur Pop-Art

Beispiele für Porträtisten und ihre Bilder von Prominenten sind: Jan van Eyck: Das Arnolfini-Porträt (1434); Lucas Cranach d

Ä.: Diptychon mit den Bildnissen Luthers und seiner Frau Katharina von Bora (1529); John Singleton Copley: Die drei jüngsten Töchter von George III (1785, Buckingham Palace London); Johann Heinrich Wilhelm Tisschbein: Goethe in der Campagna (1787); Joseph Lange: Mozart am Pianoforte (1789); Sir Henry Raeburn: Sir Walter Scott (1823); Ilja Repin: Porträt von Leo Tolstoi (1887); Juan Gris: Porträt von Pablo Picasso (1912); Graham Sutherland: Porträt von Somerset Maugham (1949); Willem de Kooning: Marilyn Monroe (1954); Andy Warhol: Acht Elvis (1963)

Andere Gemälde berühmter Persönlichkeiten sind: die Dichterin Anna Akhmatova, gemalt von Kuzma Petrov-Vodkin; der Schauspieler Charlie Chaplin von Fernand Leger; und der bolschewistische Führer Lenin von Isaak Brodsky

Eine andere weniger formelle Art der Porträtmalerei sind Karikaturen, normalerweise von Politikern und Prominenten, die in Zeitungen und anderen Zeitschriften wie Time Magazine, Vanity Fair und The New Yorker veröffentlicht werden

Aktporträts

Von der klassischen Antike über die Renaissance bis zum 20

Jahrhundert sind sowohl männliche als auch weibliche Akte in Porträts, in Malerei, Skulptur und Gravur zu sehen – Botticellis Geburt der Venus (1485) ist eine der größten

Andere berühmte Aktporträts sind: Die schlafende Venus (1510, Dresden) von Giorgione; Die Venus von Urbino (1538, Uffizien) von Tizian; Die Rokeby Venus (1647) von Velazquez; The Valpincon Bather (1808, Louvre) und La Grand Odalisque (1814, Louvre) von JAD Ingres

Weitere berühmte Beispiele finden Sie unter: Weibliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 20) und Männliche Akte in der Kunstgeschichte (Top 10)

Eitelkeit Porträtmalerei

Porträtkünstler wurden auch von niederen Adligen, Kulturschaffenden und Geschäftsleuten beauftragt, ein schmeichelhaftes Abbild von ihnen zu schaffen, das ihre Stellung in der Gesellschaft widerspiegelt

Diese Art der Staffelei-Kunst blühte während der Hochitalienischen Renaissance und in der Nordrenaissance unter den niederländischen und flämischen Schulen auf, als tragbare Kunstmedien wie Tafelbilder und Leinwände begannen, Wandfresken zu ersetzen

Beispiele sind: Herzog Federico da Montefeltro und sein Gemahl Battista Sforza (um 1466) von Piero Della Francesca; Die Familie und der Hof von Ludovico II Gonzaga (um 1474) von Andrea Mantegna; Leonardos Dame mit einem Hermelin (Porträt von Cecilia Gallerani) (um 1490) und Mona Lisa (um 1503), Ehefrau von Francesco del Giocondo; Raffaels Baldassare Castiglione (1515); Jan van Eycks Jungfrau des Kanzlers Rolin (1436); Holbeins Erasmus von Rotterdam (1523, National Gallery, London); Der Kaufmann Georg Gisze (1532, SMPK, Berlin); und Die Botschafter (1533, National Gallery, London); Der lachende Kavalier (1624) von Frans Hals; The Night Watch or The Militia Company of Captain Frans Banning Cocq (1642) und The Syndics of the Clothmakers Guild (The Staalmeesters) (1662) von Rembrandt; Meister Thomas Lister (1764) von Joshua Reynolds; Frau Richard Sheridan (1785) von Thomas Gainsborough; Porträt von Monsieur Bertin (1832) und Porträt von Madame Moitessier (1844-65) von Ingres

Porträt von Miss Amelia Van Buren (1891) von Thomas Eakins; und Porträt von Miss Dora Wheeler (1883, Cleveland Museum of Art) von William Merritt Chase (1849-1916)

Rückblick auf die Entwicklung der Porträtmalerei

Unter den Meisterwerken der europäischen Malerei vom 15

Jahrhundert bis in die jüngste Zeit gibt es viele Porträts, die ein wichtiges Merkmal der Arbeit von Meistern sind, die sich in anderen Genres hervorgetan haben

Goya (1746-1828), der Maler des spanischen Lebens, des Stierkampfes, des Volksfestes, des finsteren Omens, der Kriegskatastrophen, ja sogar der religiösen Themen, wäre unserer Meinung nach ohne seine brillanten Studien der einzelnen Persönlichkeiten noch unvollständig.

Für den größten Teil des Mittelalters wären solche Studien (wenn sie möglich gewesen wären) in einer der Religion gewidmeten Kunst als Eingriff in den Boden des Glaubens erschienen, wenn nicht mehr als eine Zumutung

Die skulpturalen Bildnisse von Königen und Königinnen waren Erinnerungsabstraktionen der Autorität

Die Manuskriptbeleuchtung lieferte bis zum späteren Mittelalter eher Symbole als Ähnlichkeiten

Die Anfänge der Charakterisierung erscheinen in königlichen Porträts des vierzehnten Jahrhunderts, wie das Wilton Diptychon als Beispiel liefert

Doch so schön es in einem zarten Miniaturstil ist, der scheinbar mit dem des franko-flämischen Künstlers Andre Beauneveu (ca

1330-1403) verwandt ist, es stellt ein Problem in Bezug auf das Bild dar, das es vom jungen und bartlosen Richard II

vermittelt

Es gibt Hinweise darauf, dass die Tafel zu einem späteren Zeitpunkt gemalt wurde, als Richard bärtig und vorzeitig gealtert war

Was auch immer der Grund sein mag, das würde bedeuten, dass Ähnlichkeit nicht so vorrangig war wie Haltung und andächtiger Inhalt

In der flämischen Malerei des 15

Jahrhunderts entsteht das realistische Porträt mit einer verblüffenden Plötzlichkeit

Jan van Eyck (1390-1441), Roger van der Weyden (1400-64) und Hans nutzten die Praxis, das Konterfei des Spenders – Prälat, Adliger oder wohlhabender Kaufmann – in das für Kirche oder Kloster bestimmte Altarbild aufzunehmen Memling (1433-94)

Mit der gleichen Kraft malten sie rein weltliche Porträts, zu deren Auftraggebern ausländische Besucher der flämischen Städte gehörten

Der Agent der Medici in Brügge, Tommaso Portinari, erscheint mit seiner Frau und seinen Kindern in der großen Anbetung, jetzt in den Uffizien, von Hugo van der Goes (1440–82)

Sir John Donne, der während der Rosenkriege von Edward IV

zum Ritter geschlagen wurde, wurde mit seiner Frau und seiner Tochter auf dem Donne-Triptychon (1477) von Hans Memling dargestellt, das sich jetzt in der National Gallery in London befindet

Ein Engländer im Ausland, Edward Grimston aus Rishangles, Suffolk, war zuvor Gegenstand eines rein weltlichen Gemäldes von Petrus Christus (ca

1410-1473), dem Nachfolger von Van Eyck in Brügge

Das auf diese Weise auf die Kunst ausgedehnte Mitgefühl zwischen England und den südlichen Niederlanden sollte eine Fortsetzung in der langen Reihe flämischer Maler haben, die sich im 16

und 17

Jahrhundert in London niederließen

Humanismus, Renaissance und Reformation trugen alle zur Entwicklung von bei Porträtmalerei als eigenständiges Genre

Das Prinzip der humanistischen Philosophie, dass das richtige Studium der Menschheit menschlich ist, gab dem Porträt logischerweise einen wichtigen Stellenwert

Die Künstler der Renaissance stimmten nicht nur mit dieser Auffassung überein, sondern verbesserten durch technischen Fortschritt die Darstellung des Charakters

Das von Antonello da Messina (1430-1479) nach Venedig gebrachte Ölmedium verlieh der Kunst eine neue Wärme und Kraft der Modellierung

Leonardo da Vinci (1452-1519) demonstrierte, wie Licht und Schatten zur Suggestion von Persönlichkeit und Psychologie (sfumato) beitragen können

Die Reformation gab der Porträtmalerei einen Anstoß einer anderen Art

Die Unterdrückung der religiösen Bildsprache in den reformierten Ländern führte dazu, dass Maler eher bereit waren, ihre Dienste als Porträtmaler anzubieten

Die Karriere von Hans Holbein dem Jüngeren (1497-1543) zeigt die Wirkung der drei Kräfte

Der gebürtige Augsburger entschied sich in jungen Jahren für die Arbeit in der deutsch-schweizerischen Stadt Basel, die nicht nur ein prosperierendes Zentrum des gelehrten Humanismus war

Dort fertigte er seine Illustrationen für das Lob der Torheit von Erasmus an

Er hatte die Fähigkeiten der Renaissance für verschiedene Unternehmungen, von Wanddekorationen und Altarbildern bis hin zu Entwürfen für Goldschmiedearbeiten und Glasmalereien, obwohl seine Neigung zur Porträtmalerei bereits ausgeprägt war

Aber im Aufschwung der protestantischen Stimmung in Basel endete die Beschäftigung mit katholischem Charakter.

Wie andere Künstler war er „ohne Brot“, wie Erasmus feststellte, als er ihn zu Thomas More nach London brachte

Das Interesse dieser Freunde (das er durch hervorragende Porträts von ihnen zurückzahlte) ermöglichte es Holbein, in den zwei Jahren seines ersten Aufenthalts in England, 1528, einen beträchtlichen Teil der Tudor-Gesellschaft zu treffen und in Gemälden und Zeichnungen darzustellen

Sein zweiter Aufenthalt dauerte elf Jahre von 1532 bis zu seinem Tod 1543 brachte ihn endgültiger in die höfische Sphäre

Er wurde 1536 Heinrich VIII

Maler

Kein Gesicht in der Geschichte ist bekannter als das beeindruckende Antlitz mit misstrauischen Augen und kleinem grausamen Mund, das Holbein auf dem einen Bild (Sammlung Thyssen) – unter einer Reihe von Versionen – gemalt hat, das sicherlich von ihm stammt eigene Hand

In diesem Jahrhundert der wechselnden Beziehungen und Bündnisse zwischen despotischen Herrschern hatte das Porträt seine diplomatische Funktion

Das Herrscherbild war nicht nur eine Erinnerung für Beamte und Höflinge der herrschenden Macht zu Hause, sondern auch ein Symbol des internationalen Austauschs, der Künstler selbst eine internationale Figur

Dies war die Position von Tizian (1485-1576), dem Porträtierten von Karl V

und Philipp II

von Spanien, und von Anthonis Mor (1519-1576), dem lateinischen “Antonio Moro”, der später Sir Anthony More wurde und Mary Tudor malte und Sir Thomas Gresham

Bevor die Fotografie erfunden wurde – oder das persönliche Kennenlernen als notwendige Voraussetzung sogar für eine königliche Hochzeit galt – diente das gemalte Porträt dazu, die körperliche Eignung der zukünftigen Braut zu vermitteln

Holbein wurde auf den Kontinent geschickt, um seinen Bildbericht über die junge, aber verwitwete Herzogin von Mailand und Anne, die Tochter des Herzogs von Kleve, mitzubringen, um Henry bei seiner Wahl zu unterstützen

Sein Gemälde der Herzogin (London, National Gallery) wurde mehr als nur eine Beschreibung, es wurde zu einem Meisterwerk, das die Anziehungskraft einer großartigen Schlichtheit des Designs noch verstärkte

Ein weiterer Zweck des Hofporträts war es, Macht und Rang durch die Pracht der Kleidung anzuzeigen und Fülle von Schmuck

Dies war stark charakteristisch für die elisabethanische Zeit und vielleicht eine Anforderung des Auftraggebers, dass die Gesichtszüge einen steifen und zeremoniell ausdruckslosen Aspekt haben sollten, während die Fülle an Accessoires Status zeugte

Die Königin selbst scheint in ihren an Nicholas Hilliard übermittelten Verfügungen gegen Schatten in diese Richtung gedacht zu haben, das heißt, die Gesichtsmodellierung würde Schatten erzeugen Jüngere (1561-1636) wurden von Hofdamen in geringerem Maße gesucht

Die flämischen Maler, die nach England kamen, um der religiösen Verfolgung in den Niederlanden zu entgehen, und eine flämische Kolonie in London gründeten, waren Handwerker, die eine Anforderung erfüllten, die ihre Unabhängigkeit als Künstler einschränkte

Das Genre der Miniaturporträtmalerei vermied durch seinen intimen Maßstab die Schwere der Beschränkung, die Kunst von Nicholas Hilliard (1547-1619) in ihrer Klarheit der Farbe, Lebhaftigkeit der Umrisse und emblematischen Poesie, die so melodisch ins Auge fällt wie das elisabethanische Sonett Ohr

Im Gegenzug gab Hilliard seine Geheimnisse an einen anderen der besten Miniaturisten Englands weiter, den moderneren Isaac Oliver (1568–1617)

Das 17

Jahrhundert war ein großes Zeitalter der Porträtmalerei in Europa

Der Status des Malers wurde verändert, er konnte ein größeres Maß an Unabhängigkeit in Methode und Konzeption beanspruchen

Der Respekt, den Tizian von den mächtigsten Herrschern entgegengebracht worden war, hatte einen bleibenden Eindruck hinterlassen

Der Künstler bewegte sich in Hofkreisen nicht als Lohnarbeiter, sondern als jemand, der zu ihrem Glanz beitrug

Wo kein Gericht existierte – in den Vereinigten Provinzen der nördlichen Niederlande – verlangten der neu gewonnene Reichtum und die nationale Freiheit nach Porträts in Hülle und Fülle

Es wurde gesagt, dass jeder flämische Künstler ein geborener Porträtmaler war, und wenn man den Verlauf der flämischen Malerei von Van Eyck bis Rubens und Van Dyck überblickt, muss man erkennen, wie viel Wahrheit in dieser Beobachtung steckt.

Trotzdem hatte die Porträtmalerei des Italiens der Renaissance einen Standard gesetzt, von dem das 17

Jahrhundert profitierte

Das Porträt von Baldassare Castiglione von Raphael (1483-1520), das Rembrandt (1606-69) in Amsterdam sah, deutete auf den Kompositionsstil hin, den er in dem Selbstporträt von 1640 (London, National Gallery) annahm

Die acht Jahre, die Rubens (1577-1640) in Italien im Dienste des Herzogs von Mantua verbrachte, als er für den Herzog und auch zu seiner eigenen Zufriedenheit die großen Venezianer kopierte, waren Jahre, in denen seine Originalität durch italienisches Vorbild gefördert wurde

Während der sechs Jahre, die Anthony Van Dyck (1599-1641) in Italien verbrachte, wo er Porträts malte und die Venezianer studierte, leitete er viel von der Würde der Pose und der satten Farbe Tizians ab

Van Dyck kann unter zwei verschiedenen Aspekten betrachtet werden

Es gibt den Barockmaler emotionaler religiöser Kompositionen, die mit denen von Rubens in den Kirchen von Antwerpen wetteifern, und es gibt den Porträtmaler, der sensibler für psychologische Atmosphären ist als sein Meister Rubens

Die Kühle und Zurückhaltung Englands übten ihren Einfluß aus

Die Eleganz und Raffinesse von Van Dycks Kunst dominierten das Jahrhundert in England, obwohl William Dobson (1610-46) unabhängig zu einem kraftvollen Stil gelangte, der auf dem Studium der Venezianer basierte, und Samuel Cooper (1609-72) sich als einer hervorhob, der es exquisit konnte die Wirkung eines großen Ölporträts auf Miniaturmaßstab reduzieren

Der Niedergang einer „Hofkunst“ lässt sich im Werk von Sir Peter Lely (1618-80) und Sir Godfrey Kneller (1646-1723) nachvollziehen

Eine Rasse von aristokratischen Parlamentariern und Landherren waren die Schirmherren in der Zeit von Englands größter Exzellenz in der Porträtmalerei, dem 18

Jahrhundert

Das 18

Jahrhundert brachte eine Ungezwungenheit und Intimität hervor, die Europa zuvor nicht gekannt hatte

Ein Beispiel dafür sind die „Gesprächsstücke“, die von einer Reihe von Künstlern praktiziert wurden, allen voran William Hogarth (1697-1764)

Sie bestanden aus einer Familiengruppe oder einer Gruppe von Freunden und unterschieden sich von solchen Gruppen in der niederländischen oder französischen Kunst, indem sie die Personen zeigten, die informell einer üblichen Beschäftigung oder Zerstreuung in ihrer üblichen Umgebung nachgingen

Die Freuden, ein Landgut zu besitzen, werden durch die von Thomas Gainsborough (1727-88) gemalten Porträts unter freiem Himmel suggeriert

Die Frische englischer Schönheit bildete einen wohltuenden Kontrast zu dem aufwändigen Make-up der Hofdamen von einst, während Kinder nicht mehr als kleine, in zeremonielle Kleidung gehüllte Bildnisse dargestellt wurden, sondern in natürlicher Bewegung und natürlichem Ausdruck

Anstelle von Höflingen erscheint eine Vielzahl von Typen und Charakteren

Hogarth malt vorzugsweise den bürgerlichen Philanthropen Captain Coram oder eine Gruppe seiner eigenen Diener

Sir Joshua Reynolds (1723-92) malt den Schauspieler, die Schauspielerin, den Literat – Garrick, Mrs

Siddons, Dr

Johnson – sowie Lords und Ladies

George Stubbs (1724-1806) und andere malen die sportlichen Knappen beim Jagen oder Schießen.

Auch im 18

Jahrhundert gab es noch starke Verbindungen zur Vergangenheit

Gainsborough kam an den Punkt, als er Van Dyck wiederentdeckte und die Eleganz des flämischen Meisters im englischen Stil neu gestaltete, wie es der schottische Meister Allan Ramsay vor ihm getan hatte

Reynolds gab seinen gelehrten Bildkommentar zu Rembrandt und Tizian

Das 19

Jahrhundert, weniger sicher in seiner Verankerung, war unbeständiger und vielfältiger im Stil der Porträts, die als Kunstwerke betrachtet werden können – abgesehen von der großen Anhäufung von Werken mit ununterscheidbarem und quasi fotografischem Charakter, Produkt einer wachsenden Bevölkerung und Mittelklasse Vermögen

Die Tradition des achtzehnten Jahrhunderts verschwindet in der temperamentvoll romantischen Brillanz von Sir Thomas Lawrence (1769-1830)

Das viktorianische Zeitalter präsentiert solche Variationen wie die frühen Porträts von Sir John Millais (1829-96) mit ihrer erstaunlichen präraffaelitischen Genauigkeit; die Porträts von George Frederick Watts (1817-1904), die mit einiger Idealisierung den intensiven Ernst der Great Victorians gut darstellen; und die ästhetische Konzeption von James McNeill Whistler (1824-1903), der das Porträt eher als eine „Anordnung“ von Farben und Formen denn als eine Offenbarung des Charakters betrachtete

Von den Impressionisten zeichneten sich Edgar Degas und Renoir durch Poprtraiture aus – siehe: The Bellelli Family (1858-67) und die umstrittenen Portraits at the Bourse (1879)

Siehe auch die wunderbaren späten Porträts von Cezanne, wie: Der Junge in der roten Weste (1889-90), Mann, der eine Pfeife raucht (1890-2), Frau mit Kaffeekanne (1890-5), Dame in Blau (1900 ), Junge Italienerin auf den Ellbogen gestützt (1900)

HINWEIS: Eine Erläuterung der im 19

Jahrhundert hergestellten modernen Porträts finden Sie unter: Analyse moderner Gemälde (1800-2000)

Porträtfotografie

Das 20

Jahrhundert war Zeuge des raschen Niedergangs des gemalten Porträts und des damit einhergehenden Aufstiegs des fotografischen Porträts

Trotz ihres technologischen Hintergrunds stehen der künstlerische Wert und die Ästhetik dieser Art der Porträtmalerei in nichts nach

Eine ausgewählte Liste der größten Fotografen, die an fotografischen Porträts beteiligt sind, finden Sie im Folgenden:

• Julia Margaret Cameron (1815-79)

Eine Pionierin der Weichzeichner- und Nahaufnahmeporträtfotografie, die ihr erstes Foto im Alter von 48 Jahren machte

Ihre Werke sind bei Kunstsammlern sehr begehrt

• Edward Steichen (1879-1973)

Auguste Rodin, Constantin Brancusi, Paul Cezanne, Henri Matisse, Pablo Picasso und andere Mitglieder der Ecole de Paris.

• Man Ray (1890-1976)

Fotografierte zahlreiche Mitglieder der Pariser Kunstwelt, unter anderem den Surrealisten Andre Breton, den polnischen Maler Balthus, den Dubliner Schriftsteller James Joyce, die amerikanische Kunstsammlerin Gertrude Stein

• Cecil Beaton (1904-1980)

Bekannt für seinen einzigartigen Stil, in dem das Motiv neben Kostüm, Hintergrund und Pose nur ein Element der Gesamtkomposition ist

• Yousuf Karsh (1908-2002)

Armenisch-kanadischer Porträtist, der 51 der 100 bemerkenswertesten Personen des Jahrhunderts fotografierte, benannt vom internationalen Who’s Who

Enthält sein berühmtes Porträt von Sir Winston Churchill

• Norman Parkinson (1913-90)

Berühmt für seine dynamischen Außenportraits, bekannt als „Action Realism“

• Hans Namuth (1915-90)

Am bekanntesten für seine Fotos von Jackson Pollock beim „Action-Painting“ in seinem Studio

• Richard Avedon (1923-2004)

Der einfallsreiche, aber minimalistische Porträtkünstler, dessen Bilder dazu beitrugen, Amerikas Bild von Stil und Schönheit in der zweiten Hälfte des 20

Jahrhunderts zu definieren

• Don McCullin (geb

1935)

Berühmt für seine fotojournalistischen Porträts, wie „Shellshocked US Marine, Hue, Vietnam“ (1968) und „Albino Boy, Biafra“ (1969)

• David Bailey (geb

1938)

Bailey revolutionierte die Porträt- und Modefotografie in den 1960er Jahren mit seinen gewagten, zum Nachdenken anregenden Aufnahmen von Models und berühmten Persönlichkeiten

• Annie Leibovitz (geb

1949)

Der große Fotograf beliebter Promi-Porträts

Zu ihren bekanntesten Werken gehören ihre Porträts von Meryl Streep, John und Yoko und einer schwangeren Demi Moore

• Steve McCurry (geb

1950)

McCurry arbeitet an der Schnittstelle von Porträt- und Landschaftsfotografie und ist vor allem für seine National Geographic-Farbfotografien bekannt, insbesondere „Afghan Girl“ (1985).

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Porträtkunst

Porträts waren ein beliebtes Thema vieler klassischer Stücke in der gesamten Kunstgeschichte

Wohlhabende Personen, insbesondere königliche und religiöse Persönlichkeiten, gaben oft Gemälde von sich selbst in Auftrag

Während das stundenlange Sitzen weitgehend obsolet ist, hat der Wunsch, die menschliche oder tierische Form einzufangen, nicht nachgelassen

Stöbern Sie in unserer Sammlung von Porträts, um hervorragende moderne und historische Beispiele dieser zeitlosen Praxis zu entdecken.

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Portrait paintingWikipedia Aktualisiert

Portrait painting is a genre in painting, where the intent is to represent a specific human subject.The term ‘portrait painting‘ can also describe the actual painted portrait. Portraitists may create their work by commission, for public and private persons, or they may be inspired by admiration or affection for the subject.

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Genre in der Malerei, bei dem die Absicht besteht, ein bestimmtes menschliches Subjekt darzustellen

Mehr zum allgemeinen Thema Porträt finden Sie unter Porträt

Porträtmalerei ist ein Genre in der Malerei, bei dem es darum geht, ein bestimmtes menschliches Subjekt darzustellen

Der Begriff „Porträtmalerei“ kann auch das eigentlich gemalte Porträt beschreiben

Porträtisten können ihre Arbeiten im Auftrag für öffentliche und private Personen erstellen oder sich von Bewunderung oder Zuneigung für das Motiv inspirieren lassen

Porträts dienen oft als wichtige Staats- und Familienaufzeichnungen sowie Erinnerungen

Historisch gesehen haben Porträtmalereien in erster Linie den Reichen und Mächtigen ein Denkmal gesetzt

Im Laufe der Zeit wurde es jedoch üblicher, dass bürgerliche Mäzene Porträts ihrer Familien und Kollegen in Auftrag gab

Heute werden Porträtmalereien immer noch von Regierungen, Unternehmen, Gruppen, Vereinen und Einzelpersonen in Auftrag gegeben

Neben der Malerei können Porträts auch in anderen Medien wie Drucken (einschließlich Radierung und Lithografie), Fotografie, Video und digitalen Medien hergestellt werden

Es mag naheliegend erscheinen, dass ein gemaltes Porträt eine Ähnlichkeit mit dem Dargestellten erreichen soll erkennbar für diejenigen, die sie gesehen haben, und ist idealerweise eine sehr gute Aufzeichnung ihres Aussehens

Tatsächlich hat sich dieses Konzept nur langsam entwickelt, und es hat Jahrhunderte gedauert, bis sich Künstler in verschiedenen Traditionen die unterschiedlichen Fähigkeiten angeeignet haben, um ein gutes Abbild zu malen

Technik und Praxis [ bearbeiten ]

Von einem gut ausgeführten Porträt wird erwartet, dass es die innere Essenz des Motivs (aus Sicht des Künstlers) oder eine schmeichelhafte Darstellung zeigt, nicht nur eine wörtliche Ähnlichkeit

Wie Aristoteles feststellte: “Das Ziel der Kunst ist es, nicht die äußere Erscheinung der Dinge darzustellen, sondern ihre innere Bedeutung; denn dies, nicht die äußere Art und Weise und das Detail, stellt die wahre Realität dar.”[1] Künstler mögen nach fotografischem Realismus oder einem anderen streben impressionistische Ähnlichkeit in der Darstellung ihres Motivs, aber dies unterscheidet sich von einer Karikatur, die versucht, den Charakter durch Übertreibung der physischen Merkmale zu offenbaren

Der Künstler versucht im Allgemeinen eine repräsentative Darstellung, wie Edward Burne-Jones feststellte: „Der einzig zulässige Ausdruck in einer großartigen Porträtmalerei ist der Ausdruck von Charakter und moralischer Qualität, nichts Vorübergehendes, Flüchtiges oder Zufälliges.“[2]

In den meisten Fällen führt dies zu einem ernsten, geschlossenen Lippenstarren, wobei alles andere als ein leichtes Lächeln historisch eher selten ist

Oder wie Charles Dickens es ausdrückte: „Es gibt nur zwei Stile der Porträtmalerei: den Ernst und das Grinsen.“[3] Trotz dieser Einschränkungen ist eine ganze Reihe subtiler Emotionen möglich, von stiller Bedrohung bis hin zu sanfter Zufriedenheit

Da der Mund jedoch relativ neutral ist, muss ein Großteil des Gesichtsausdrucks durch die Augen und Augenbrauen erzeugt werden

Wie der Autor und Künstler Gordon C

Aymar feststellt: „Die Augen sind der Ort, an dem man nach den vollständigsten, zuverlässigsten und sachdienlichsten Informationen zu diesem Thema sucht“

Und die Augenbrauen können “fast im Alleingang Staunen, Mitleid, Schrecken, Schmerz, Zynismus, Konzentration, Wehmut, Unmut und Erwartung in unendlichen Variationen und Kombinationen registrieren.”[4]

Porträtmalerei kann das Motiv „in voller Länge“ (der ganze Körper), „halbe Länge“ (von Kopf bis Taille oder Hüfte), „Kopf und Schultern“ (Büste) oder nur den Kopf darstellen

Der Kopf des Subjekts kann sich von “vollem Gesicht” (Vorderansicht) zu Profil (Seitenansicht) drehen; eine “Dreiviertelansicht” (“Zweidrittelansicht”) liegt irgendwo dazwischen und reicht von fast frontal bis fast im Profil (der Bruchteil ist die Summe des Profils [eine Hälfte des Gesichts] plus das “Viertel” der anderen Seite -face”;[5] alternativ wird jede Seite als dritte betrachtet)

Gelegentlich haben Künstler Kompositionen mit Ansichten aus mehreren Richtungen geschaffen, wie bei Anthony van Dycks dreifachem Porträt von Charles I in Three Positions.[6] Es gibt sogar ein paar Porträts, bei denen die Vorderseite des Motivs überhaupt nicht sichtbar ist

Andrew Wyeths Christina’s World (1948) ist ein berühmtes Beispiel, in dem sich die Pose der behinderten Frau – mit dem Rücken zum Betrachter – in die Umgebung integriert, in der sie platziert ist, um die Interpretation des Künstlers zu vermitteln.[7] Unter den anderen möglichen Variablen kann das Subjekt bekleidet oder nackt sein; drinnen oder draußen; stehend, sitzend, liegend; sogar auf Pferden

Porträtmalereien können von Einzelpersonen, Paaren, Eltern und Kindern, Familien oder kollegialen Gruppen sein

Sie können in verschiedenen Medien erstellt werden, darunter Öl, Aquarell, Feder und Tinte, Bleistift, Kohle, Pastell und gemischte Medien

Künstler können eine breite Farbpalette verwenden, wie bei Pierre-Auguste Renoirs Mme

Charpentier und ihre Kinder, 1878, oder beschränken sich auf hauptsächlich Weiß oder Schwarz, wie bei Gilbert Stuarts Porträt von George Washington (1796)

Manchmal ist die Gesamtgröße des Porträts eine wichtige Überlegung

Die riesigen Porträts von Chuck Close, die für die Museumsausstellung geschaffen wurden, unterscheiden sich stark von den meisten Porträts, die so gestaltet sind, dass sie ins Haus passen oder einfach mit dem Kunden reisen können

Häufig berücksichtigt ein Künstler, wo das endgültige Porträt hängen wird, sowie die Farben und den Stil des umgebenden Dekors.[8]

Das Erstellen eines Porträts kann viel Zeit in Anspruch nehmen und erfordert normalerweise mehrere Sitzungen

Auf der einen Seite bestand Cézanne auf über 100 Sitzungen zu seinem Thema.[9] Goya hingegen zog es vor, einen langen Tag zu sitzen.[10] Der Durchschnitt liegt bei etwa vier.[11] Porträtisten präsentieren ihren Darstellern manchmal ein Portfolio von Zeichnungen oder Fotos, aus denen ein Darsteller eine bevorzugte Pose auswählt, wie es Sir Joshua Reynolds tat

Einige, wie Hans Holbein der Jüngere, fertigen eine Zeichnung des Gesichts an und vervollständigen dann den Rest des Gemäldes ohne die Dargestellte.[12] Im 18

Jahrhundert dauerte es normalerweise etwa ein Jahr, um einem Kunden ein fertiges Porträt zu liefern.[13] Der Umgang mit den Erwartungen und der Stimmung des Dargestellten ist dem Porträtkünstler ein ernstes Anliegen

In Bezug auf die Treue des Porträts zum Aussehen des Dargestellten sind Porträtisten im Allgemeinen konsequent in ihrer Herangehensweise

Kunden, die Sir Joshua Reynolds aufsuchten, wussten, dass sie ein schmeichelhaftes Ergebnis erhalten würden, während Sitter von Thomas Eakins wussten, dass sie ein realistisches, schonungsloses Porträt erwarten konnten

Einige Motive äußern starke Vorlieben, andere überlassen die Entscheidung ganz dem Künstler

Oliver Cromwell forderte bekanntermaßen, dass sein Porträt “all diese Rauheiten, Pickel, Warzen und alles so zeigt, wie Sie mich sehen, sonst werde ich nie einen Pfennig dafür bezahlen.”[14]

Nachdem der Dargestellte beruhigt und zu einer natürlichen Pose ermutigt wurde, studiert der Künstler sein Motiv und sucht unter vielen Möglichkeiten nach dem einen Gesichtsausdruck, der seiner Vorstellung von der Essenz des Dargestellten entspricht

Die Körperhaltung des Motivs wird ebenso wie das Kostüm sorgfältig berücksichtigt, um den emotionalen und körperlichen Zustand des Dargestellten zu enthüllen

Um den Dargestellten engagiert und motiviert zu halten, wird der geschickte Künstler oft ein angenehmes Verhalten und eine angenehme Unterhaltung bewahren

Élisabeth Vigée-Lebrun riet anderen Künstlern, Frauen zu schmeicheln und ihr Aussehen zu loben, um ihre Zusammenarbeit bei der Sitzung zu gewinnen.[14]

Zentral für die erfolgreiche Ausführung des Porträts ist die Beherrschung der menschlichen Anatomie

Menschliche Gesichter sind asymmetrisch und geschickte Porträtkünstler reproduzieren dies mit subtilen Links-Rechts-Unterschieden

Künstler müssen über die zugrunde liegende Knochen- und Gewebestruktur Bescheid wissen, um ein überzeugendes Porträt zu erstellen

Bei komplexen Kompositionen kann der Künstler zunächst eine vollständige Bleistift-, Tinten-, Kohle- oder Ölskizze anfertigen, was besonders nützlich ist, wenn die verfügbare Zeit des Dargestellten begrenzt ist

Ansonsten wird die allgemeine Form, dann ein grobes Abbild, mit Bleistift, Kohle oder dünnem Öl auf der Leinwand skizziert

In vielen Fällen wird zuerst das Gesicht fertiggestellt und der Rest danach

In den Ateliers vieler großer Porträtkünstler fertigte der Meister nur Kopf und Hände an, während die Kleidung und der Hintergrund von den Hauptlehrlingen vervollständigt wurden

Es gab sogar externe Spezialisten, die bestimmte Gegenstände wie Vorhänge und Kleidung handhabten, wie Joseph van Aken

[15] Einige Künstler verwendeten in früheren Zeiten Laienfiguren oder Puppen, um die Pose und die Kleidung festzulegen und auszuführen

[16] Die Verwendung symbolischer Elemente, die um den Dargestellten herum platziert wurden (einschließlich Schilder, Haushaltsgegenstände, Tiere und Pflanzen), wurde häufig verwendet, um das Gemälde mit dem moralischen oder religiösen Charakter des Motivs oder mit Symbolen zu codieren, die den Beruf, die Interessen oder das Soziale des Dargestellten darstellen Status

Der Hintergrund kann ganz schwarz und ohne Inhalt sein oder eine ganze Szene, die den Dargestellten in sein soziales oder Freizeitmilieu versetzt Umkehrung dessen, was in einem normalen Porträt passiert, wenn sich Dargestellter und Künstler gegenüberstehen

Bei einem Selbstporträt scheint ein Rechtshänder einen Pinsel in der linken Hand zu halten, es sei denn, der Künstler korrigiert das Bild absichtlich oder verwendet beim Malen einen zweiten Umkehrspiegel

Gelegentlich ist der Kunde oder die Familie des Kunden mit dem resultierenden Porträt unzufrieden und der Künstler ist gezwungen, es zu retuschieren oder zu überarbeiten oder sich ohne Bezahlung vom Auftrag zurückzuziehen und die Demütigung des Scheiterns zu erleiden

Jacques-Louis Davids berühmtes Porträt von Madame Récamier, das in Ausstellungen sehr beliebt ist, wurde von der Dargestellten abgelehnt, ebenso wie John Singer Sargents berüchtigtes Porträt von Madame X

John Trumbulls Porträt in voller Länge, General George Washington in Trenton, wurde vom Ausschuss abgelehnt der es in Auftrag gegeben hat.[17] Der berühmt stachelige Gilbert Stuart antwortete einmal auf die Unzufriedenheit eines Kunden mit dem Porträt seiner Frau, indem er entgegnete: „Du hast mir eine Kartoffel gebracht, und du erwartest einen Pfirsich!“[18]

Ein erfolgreiches Porträt kann jedoch die lebenslange Dankbarkeit eines Kunden gewinnen

Graf Balthazar war so zufrieden mit dem Porträt, das Raphael von seiner Frau geschaffen hatte, dass er dem Künstler sagte: „Dein Bild. .

allein kann meine Sorgen erleichtern

Dieses Bild ist meine Freude; ich richte mein Lächeln darauf, es ist meine Freude

“[19]

Geschichte[Bearbeiten]

Antike Welt[Bearbeiten]

Römisch-ägyptisches Trauerporträt einer Frau

Die Wurzeln der Porträtmalerei liegen wahrscheinlich in prähistorischen Zeiten, obwohl nur wenige dieser Werke heute erhalten sind

In der Kunst der alten Zivilisationen des fruchtbaren Halbmonds, insbesondere in Ägypten, gibt es zahlreiche Darstellungen von Herrschern und Herrschern als Götter

Die meisten davon wurden jedoch in stark stilisierter Weise und die meisten im Profil ausgeführt, normalerweise auf Stein, Metall, Ton, Gips oder Kristall

Die ägyptische Porträtmalerei legte relativ wenig Wert auf Ähnlichkeit, zumindest bis zur Zeit Echnatons im 14

Jahrhundert v

Die Porträtmalerei von Persönlichkeiten in China geht wahrscheinlich auf über 1000 v

Chr

zurück, obwohl aus dieser Zeit keine mehr erhalten ist

Bestehende chinesische Porträts gehen auf etwa 1000 n

Chr

zurück,[20] legten aber erst einige Zeit später großen Wert auf Ähnlichkeit.

Aus literarischen Beweisen wissen wir, dass die antike griechische Malerei Porträts enthielt, die oft sehr genau sind, wenn man den Lobpreisungen der Schriftsteller glauben darf, aber es sind keine gemalten Beispiele geblieben

Geformte Köpfe von Herrschern und berühmten Persönlichkeiten wie Sokrates sind in gewisser Menge erhalten und zeigen, wie die individualisierten Büsten hellenistischer Herrscher auf Münzen, dass griechische Porträts eine gute Ähnlichkeit erreichen konnten, und Motive, zumindest von literarischen Figuren, wurden mit wenig relativer Schmeichelei dargestellt – Die Porträts von Sokrates zeigen, warum er den Ruf hatte, hässlich zu sein

Die Nachfolger von Alexander dem Großen begannen damit, ihren Münzen seinen Kopf (als vergötterte Figur) hinzuzufügen, und verwendeten bald ihre eigenen

Die römische Porträtmalerei übernahm Traditionen der Porträtmalerei sowohl von den Etruskern als auch von den Griechen und entwickelte eine sehr starke Tradition , verbunden mit ihrer religiösen Verwendung von Ahnenporträts sowie der römischen Politik

Auch hier sind die wenigen gemalten Überbleibsel in den Fayum-Porträts, dem Grab von Aline und dem Severan Tondo, die alle aus Ägypten unter römischer Herrschaft stammten, eindeutig provinzielle Produktionen, die eher griechischen als römischen Stil widerspiegeln, aber wir haben eine Fülle von gemeißelten Köpfen, darunter viele individualisierte Porträts aus bürgerlichen Gräbern und Tausende von Arten von Münzporträts 4

Jahrhundert n

Chr

Abgesehen von Fresken sind dies fast die einzigen Gemälde aus der Römerzeit, die erhalten geblieben sind, obwohl aus den Schriften von Plinius dem Älteren bekannt ist, dass die Porträtmalerei in der griechischen Zeit gut etabliert war und sowohl von männlichen als auch von weiblichen Künstlern praktiziert wurde.[21 ] Zu seiner Zeit beklagte Plinius den Niedergang der römischen Porträtkunst: “Die Porträtmalerei, die durch die Jahrhunderte das genaue Abbild von Menschen zu vermitteln pflegte, ist völlig erloschen. .

Die Trägheit hat die Kunst zerstört.”[22 ][23 ] Diese Ganzgesichtsporträts aus dem römischen Ägypten sind glückliche Ausnahmen

Sie zeigen ein einigermaßen realistisches Gefühl für Proportionen und individuelle Details (obwohl die Augen im Allgemeinen übergroß sind und das künstlerische Können von Künstler zu Künstler erheblich variiert)

Die Fayum-Porträts wurden in Wachs- und Harzfarben (Enkaustik) oder mit Tempera auf Holz oder Elfenbein gemalt und in die Mumienhülle eingelegt, um für die Ewigkeit am Körper zu bleiben Das Porträt blühte in römischen Skulpturen auf, wo Sitter Realismus forderten, auch wenn es wenig schmeichelhaft war

Während des 4

Jahrhunderts dominierte das skulpturale Porträt, mit einem Rückzug zugunsten eines idealisierten Symbols für das Aussehen dieser Person

(Vgl

die Porträts der römischen Kaiser Konstantin I

und Theodosius I.) In der Spätantike ging das Interesse an einem individuellen Bildnis stark zurück, und die meisten Porträts in spätrömischen Münzen und konsularischen Diptychen sind kaum noch individualisiert, wenn auch gleichzeitig frühchristlich Die Kunst entwickelte ziemlich standardisierte Bilder für die Darstellung von Jesus und den anderen wichtigen Figuren der christlichen Kunst, wie Johannes dem Täufer und dem heiligen Petrus

Mittelalter [ bearbeiten ]

Die meisten frühmittelalterlichen Porträts waren Stifterporträts, anfangs meist von Päpsten in römischen Mosaiken, und illuminierte Handschriften, ein Beispiel ist ein Selbstporträt der Schriftstellerin, Mystikerin, Wissenschaftlerin, Buchmalerin und Musikerin Hildegard von Bingen (1152).[24] Wie bei zeitgenössischen Münzen wurde kaum versucht, eine Ähnlichkeit herzustellen

In der Romanik verbreiteten sich steinerne Grabdenkmäler

Zwischen 1350 und 1400 tauchten weltliche Figuren wieder in Fresken und Tafelbildern auf, wie in Meister Theoderichs Karl IV., Der die Treue empfing,[25] und Porträts wurden wieder zu klaren Ähnlichkeiten.

Gegen Ende des Jahrhunderts entstanden in Burgund und Frankreich die ersten Ölporträts zeitgenössischer Personen, gemalt auf kleinen Holztafeln, zuerst als Profile, dann in anderen Ansichten

Das Wilton-Diptychon von ca

1400 ist eines von zwei erhaltenen Tafelporträts von Richard II

von England, dem frühesten englischen König, für den wir zeitgenössische Beispiele haben

Am Ende des Mittelalters im 15

Jahrhundert war die frühniederländische Malerei der Schlüssel zur Entwicklung des individualisierten Porträts

Meister waren unter anderem Jan van Eyck, Robert Campin und Rogier van der Weyden

Eher kleine Tafelbildporträts, weniger als die Hälfte der Lebensgröße, wurden in Auftrag gegeben, nicht nur von Persönlichkeiten des Hofes, sondern auch von Personen, die aufgrund ihrer relativ schlichten Kleidung als wohlhabende Stadtbewohner erscheinen

Miniaturen in illuminierten Manuskripten enthielten auch individualisierte Porträts, normalerweise des Auftraggebers

In religiösen Gemälden wurden Porträts von Spendern als anwesend gezeigt oder nahmen an den wichtigsten gezeigten heiligen Szenen teil, und in privateren Hofbildern tauchten Motive sogar als bedeutende Figuren wie die Jungfrau Maria auf

Renaissance [ bearbeiten ]

Teils aus Interesse an der natürlichen Welt und teils aus Interesse an den klassischen Kulturen des antiken Griechenlands und Roms wurde Porträts – sowohl gemalt als auch geschnitzt – eine wichtige Rolle in der Gesellschaft der Renaissance gegeben und als Objekte und als Darstellungen irdischen Erfolgs geschätzt Status

Die Malerei erreichte im Allgemeinen ein neues Niveau an Ausgewogenheit, Harmonie und Einsicht, und die größten Künstler (Leonardo, Michelangelo und Raffael) galten als „Genies“, die weit über den Status eines Kaufmanns hinaus zu geschätzten Dienern des Hofes und der Kirche aufstiegen

26]

Wenn der Dichter sagt, dass er Menschen mit Liebe entflammen kann…

Der Maler hat die Macht, dasselbe zu tun …

indem er sich vor den Liebhaber stellen kann

das wahre Ebenbild eines Geliebten

Lass ihn oft küssen und sprich mit ihm

–Leonardo da Vinci[27]

In dieser fruchtbaren Zeit entstanden viele Innovationen in den verschiedenen Formen der Porträtmalerei

Aus dem handwerklichen Können der Miniaturenmaler in illuminierten Handschriften entwickelte sich die Tradition der Porträtminiatur, die bis ins Zeitalter der Fotografie populär blieb

Profilporträts, inspiriert von antiken Medaillons, waren zwischen 1450 und 1500 in Italien besonders beliebt

Medaillen mit ihren zweiseitigen Bildern inspirierten auch eine kurzlebige Mode für zweiseitige Gemälde in der frühen Renaissance.[28] Klassische Skulpturen wie der Apollo Belvedere beeinflussten auch die Wahl der Posen, die von Renaissance-Porträtmalern verwendet wurden, Posen, die über die Jahrhunderte hinweg verwendet wurden.[29] Leonardos Ginevra de’ Benci (ca

1474–8) ist eines der ersten bekannten Porträts in Dreiviertelansicht in der italienischen Kunst.[27]

Nordeuropäische Künstler waren führend in realistischen Porträts weltlicher Themen

Der größere Realismus und Detailreichtum der nordischen Künstler im 15

Jahrhundert war teilweise auf die feineren Pinselstriche und Effekte zurückzuführen, die mit Ölfarben möglich waren, während die italienischen und spanischen Maler noch Tempera verwendeten

Einer der frühesten Maler, die die Öltechnik entwickelten, war Jan van Eyck

Ölfarben können mehr Textur und Dickengrade erzeugen und können effektiver geschichtet werden, indem immer dickere Schichten übereinander hinzugefügt werden (von Malern als „fett über mager“ bekannt)

Außerdem trocknen Ölfarben langsamer, sodass der Künstler problemlos Änderungen vornehmen kann, z

B

das Ändern von Gesichtsdetails

Antonello da Messina war einer der ersten Italiener, der Öl nutzte

In Belgien ausgebildet, ließ er sich um 1475 in Venedig nieder und hatte großen Einfluss auf Giovanni Bellini und die norditalienische Schule.[30] Während des 16

Jahrhunderts verbreitete sich Öl als Medium in ganz Europa und ermöglichte prächtigere Darstellungen von Kleidung und Schmuck

Auch die Qualität der Bilder wurde durch die Umstellung von Holz auf Leinwand beeinträchtigt, die in Italien zu Beginn des 16

Jahrhunderts begann und sich im nächsten Jahrhundert nach Nordeuropa ausbreitete

Leinwand widersteht Rissen besser als Holz, hält Pigmente besser und erfordert weniger Vorbereitung – aber sie war anfangs viel seltener als Holz

Schon früh gaben die Nordeuropäer das Profil auf und begannen, Porträts mit realistischem Volumen und realistischer Perspektive zu produzieren

In den Niederlanden war Jan van Eyck ein führender Porträtmaler

Die Arnolfini-Hochzeit (1434, National Gallery, London) ist ein Wahrzeichen der westlichen Kunst, ein frühes Beispiel eines Paarporträts in voller Länge, hervorragend gemalt in satten Farben und exquisiten Details

Aber ebenso wichtig ist, dass es die neu entwickelte Technik der Ölmalerei präsentiert, die von van Eyck entwickelt wurde, die die Kunst revolutionierte und sich in ganz Europa verbreitete.[31]

Führende deutsche Porträtkünstler wie Lucas Cranach, Albrecht Dürer und Hans Holbein der Jüngere, die alle die Technik der Ölmalerei beherrschten

Cranach malte als einer der ersten Künstler lebensgroße Ganzfiguren im Auftrag, eine fortan beliebte Tradition.[32] Zu dieser Zeit gab es in England keine Porträtmaler ersten Ranges, und Künstler wie Holbein waren bei englischen Mäzenen gefragt.[33] Sein Gemälde von Sir Thomas More (1527), seinem ersten wichtigen Förderer in England, hat fast den Realismus einer Fotografie.[34] Holbein machte seinen großen Erfolg beim Malen der königlichen Familie, einschließlich Heinrich VIII

Dürer war ein herausragender Zeichner und einer der ersten großen Künstler, der eine Reihe von Selbstporträts einschließlich eines Ganzgesichtsgemäldes anfertigte

Er platzierte auch seine Selbstporträtfigur (als Zuschauer) in mehreren seiner religiösen Gemälde.[35] Dürer begann im Alter von 13 Jahren mit Selbstporträts.[36] Später würde Rembrandt diese Tradition erweitern

In Italien war Masaccio führend bei der Modernisierung des Freskos, indem er eine realistischere Perspektive einnahm

Filippo Lippi ebnete den Weg für die Entwicklung schärferer Konturen und gewundener Linien[37] und sein Schüler Raphael erweiterte den Realismus in Italien in den folgenden Jahrzehnten mit seinen monumentalen Wandmalereien auf ein viel höheres Niveau.[38] In dieser Zeit wurde das Verlobungsporträt populär, eine besondere Spezialität von Lorenzo Lotto.[39] Während der frühen Renaissance waren Porträtgemälde im Allgemeinen klein und manchmal mit Schutzdeckeln bedeckt, die aufklappbar oder verschiebbar waren.[40]

In der Renaissance wünschten sich vor allem der florentinische und Mailänder Adel realistischere Darstellungen von sich selbst

Die Herausforderung, überzeugende Voll- und Dreiviertelansichten zu erstellen, regte zum Experimentieren und zur Innovation an

Sandro Botticelli, Piero della Francesca, Domenico Ghirlandaio, Lorenzo di Credi und Leonardo da Vinci und andere Künstler erweiterten ihre Technik entsprechend und fügten traditionellen religiösen und klassischen Motiven Porträts hinzu

Leonardo und Pisanello gehörten zu den ersten italienischen Künstlern, die ihren weltlichen Porträts allegorische Symbole hinzufügten.[38]

Eines der bekanntesten Porträts in der westlichen Welt ist Leonardo da Vincis Gemälde mit dem Titel Mona Lisa, benannt nach Lisa del Giocondo,[41][42][43] einem Mitglied der Familie Gherardini aus Florenz und der Toskana und Ehefrau von Reichen Florentiner Seidenhändler Francesco del Giocondo

Das berühmte „Lächeln der Mona Lisa“ ist ein hervorragendes Beispiel für die Anwendung subtiler Asymmetrie auf einem Gesicht

In seinen Notizbüchern berät Leonardo über die Qualitäten des Lichts in der Porträtmalerei:

Ein sehr hohes Maß an Anmut in Licht und Schatten wird den Gesichtern derjenigen hinzugefügt, die in den Türen von dunklen Räumen sitzen, wo die Augen des Betrachters den schattigen Teil des Gesichts sehen, der von den Schatten des Raums verdeckt wird

und sehen Sie den beleuchteten Teil des Gesichts mit dem größeren Glanz, den die Luft ihm verleiht

Durch diese Zunahme der Schatten und Lichter erhält das Gesicht mehr Relief.[44] Leonardo war ein Schüler von Verrocchio

Nachdem er Mitglied der Gilde der Maler geworden war, begann er, unabhängige Aufträge anzunehmen

Sein Output an Zeichnungen und Vorstudien ist aufgrund seiner breitgefächerten Interessen und seines wissenschaftlichen Denkens immens, wenn auch sein fertiges künstlerisches Output relativ gering ist

Zu seinen anderen denkwürdigen Porträts gehörten die der Adligen Ginevra de’ Benci und Cecilia Gallerani.[45] Raphaels überlebende Auftragsporträts sind weitaus zahlreicher als die von Leonardo und zeigen eine größere Vielfalt an Posen, Beleuchtung und Technik

Anstatt revolutionäre Innovationen hervorzubringen, bestand Raffaels große Leistung darin, die sich entwickelnden Strömungen der Renaissancekunst zu stärken und zu verfeinern.[46] Er war besonders Experte im Gruppenporträt

Sein Meisterwerk der Schule von Athen ist eine der bedeutendsten Gruppen von Fresken und enthält Bildnisse von Leonardo, Michelangelo, Bramante und Raffael selbst in der Gestalt antiker Philosophen.[47] Es war nicht das erste Gruppenporträt von Künstlern

Jahrzehnte zuvor hatte Paolo Uccello ein Gruppenporträt mit Giotto, Donatello, Antonio Manetti und Brunelleschi gemalt.[35] Als er an Bedeutung gewann, wurde Raphael ein beliebter Porträtmaler der Päpste

Während viele Renaissance-Künstler eifrig Porträtaufträge annahmen, lehnten einige Künstler sie ab, insbesondere Raffaels Rivale Michelangelo, der stattdessen die riesigen Aufträge für die Sixtinische Kapelle übernahm.[38]

In Venedig dominierten um 1500 Gentile Bellini und Giovanni Bellini die Porträtmalerei

Sie erhielten die höchsten Aufträge von den führenden Beamten des Staates

Bellinis Porträt des Dogen Loredan gilt als eines der schönsten Porträts der Renaissance und demonstriert gekonnt die Beherrschung der neu eingeführten Techniken der Ölmalerei durch den Künstler.[48] Bellini ist auch einer der ersten Künstler in Europa, der seine Werke signiert, obwohl er sie selten datierte.[49] Später im 16

Jahrhundert übernahm Tizian die gleiche Rolle, insbesondere indem er die Vielfalt der Posen und Sitze seiner königlichen Untertanen erweiterte

Tizian war vielleicht der erste große Kinderportraitist.[50] Nach Tizian wurden Tintoretto und Veronese zu führenden venezianischen Künstlern und halfen beim Übergang zum italienischen Manierismus

Die Manieristen steuerten viele außergewöhnliche Porträts bei, die den materiellen Reichtum und die elegant komplexen Posen betonten, wie in den Werken von Agnolo Bronzino und Jacopo da Pontormo

Bronzino wurde berühmt, als er die Familie Medici porträtierte

Sein gewagtes Porträt von Cosimo I

de’ Medici zeigt den strengen Herrscher in Rüstung mit einem vorsichtigen Auge, das nach rechts gerichtet ist, in scharfem Kontrast zu den meisten königlichen Gemälden, die ihre Sitzenden als gütige Souveräne zeigen

El Greco, der zwölf Jahre lang in Venedig ausgebildet wurde, ging nach seiner Ankunft in Spanien in eine extremere Richtung und betonte seine “innere Vision” des Dargestellten bis zu dem Punkt, an dem die Realität der physischen Erscheinung verringert wurde.[52] Eine der besten Porträtmalerinnen des Italiens des 16

Jahrhunderts war Sofonisba Anguissola aus Cremona, die ihren Einzel- und Gruppenporträts eine neue Ebene der Komplexität verlieh.

Die Hofporträtmalerei in Frankreich begann, als der flämische Künstler Jean Clouet um 1525 sein opulentes Abbild von Franz I

von Frankreich malte.[53] König Franziskus war ein großer Förderer von Künstlern und ein gieriger Kunstsammler, der Leonardo da Vinci einlud, in seinen späteren Jahren in Frankreich zu leben

Die Mona Lisa blieb in Frankreich, nachdem Leonardo dort gestorben war.[53] Barock und Rokoko Während des Barock und des Rokoko (17

bzw

18

Jahrhundert) wurden Porträts zu noch wichtigeren Status- und Positionsdokumenten

In einer Gesellschaft, die zunehmend von weltlichen Führern an mächtigen Höfen dominiert wurde, waren Bilder von opulent gekleideten Persönlichkeiten ein Mittel, um die Autorität wichtiger Personen zu bekräftigen

Die flämischen Maler Sir Anthony van Dyck und Peter Paul Rubens zeichneten sich durch diese Art von Porträts aus, während Jan Vermeer hauptsächlich Porträts der Mittelschicht bei der Arbeit und beim Spielen in Innenräumen anfertigte

Rubens’ Porträt von sich und seiner ersten Frau (1609) im Hochzeitskleid ist ein virtuoses Beispiel für das Paarporträt.[55] Rubens Ruhm ging über seine Kunst hinaus – er war ein Höfling, Diplomat, Kunstsammler und erfolgreicher Geschäftsmann

Sein Atelier war eines der umfangreichsten seiner Zeit und beschäftigte neben Porträts auch Spezialisten für Stillleben, Landschafts-, Tier- und Genreszenen

Van Dyck trainierte dort zwei Jahre lang.[56] Karl I

von England beschäftigte zuerst Rubens, importierte dann van Dyck als seinen Hofmaler, schlug ihn zum Ritter und verlieh ihm höfischen Status

Van Dyck adaptierte nicht nur die Produktionsmethoden und Geschäftsfähigkeiten von Rubens, sondern auch seine eleganten Umgangsformen und sein Auftreten

Wie berichtet wird, “ging er immer prächtig gekleidet, hatte eine zahlreiche und galante Ausrüstung und hielt einen so edlen Tisch in seiner Wohnung, dass wenige Prinzen nicht mehr besucht oder besser bedient wurden.”[57] In Frankreich dominierte Hyacinthe Rigaud ebenso als bemerkenswerter Chronist der Porträtmalerei von fünf französischen Königen.[58] Eine der Innovationen der Renaissance-Kunst war die verbesserte Wiedergabe von Gesichtsausdrücken, um verschiedene Emotionen zu begleiten

Insbesondere der niederländische Maler Rembrandt erforschte die vielen Ausdrucksformen des menschlichen Gesichts, insbesondere als einer der führenden Selbstporträtisten (von denen er in seinem Leben über 60 malte).[59] Dieses Interesse am menschlichen Gesicht förderte auch die Schaffung der ersten Karikaturen, die der Accademia degli Incamminati zugeschrieben wurden, die Ende des 16

Jahrhunderts von Malern der Familie Carracci in Bologna, Italien, betrieben wurde

Gruppenporträts wurden im Barock in großer Zahl hergestellt Zeit, vor allem in den Niederlanden

Anders als im übrigen Europa erhielten niederländische Künstler keine Aufträge von der reformierten Kirche, die solche Bilder verboten hatte, oder von der Aristokratie, die praktisch nicht existierte

Stattdessen kamen Aufträge von Bürger- und Wirtschaftsverbänden

Der niederländische Maler Frans Hals verwendete flüssige Pinselstriche in lebendigen Farben, um seine Gruppenporträts zu beleben, einschließlich derjenigen der Zivilgarde, zu der er gehörte

Rembrandt profitierte stark von solchen Aufträgen und vom allgemeinen Kunstverständnis bürgerlicher Auftraggeber, die neben der Porträt- auch die Stillleben- und Landschaftsmalerei unterstützten

Außerdem florierten damals in Holland die ersten bedeutenden Kunst- und Händlermärkte.[60] Aufgrund der großen Nachfrage konnte Rembrandt mit unkonventionellen Kompositionen und Techniken wie Hell-Dunkel experimentieren

Er demonstrierte diese Innovationen, die von italienischen Meistern wie Caravaggio entwickelt wurden, vor allem in seiner berühmten Nachtwache (1642).[61] The Anatomy Lesson of Dr

Tulp (1632) ist ein weiteres schönes Beispiel für Rembrandts Beherrschung der Gruppenmalerei, in der er die Leiche in helles Licht taucht, um die Aufmerksamkeit auf die Mitte des Gemäldes zu lenken, während Kleidung und Hintergrund in Schwarz verschmelzen die Gesichter des Chirurgen und der Studenten stechen hervor

Es ist auch das erste Gemälde, das Rembrandt mit seinem vollen Namen signierte.[62]

In Spanien malte Diego Velázquez Las Meninas (1656), eines der berühmtesten und rätselhaftesten Gruppenporträts aller Zeiten

Es erinnert an den Künstler und die Kinder der spanischen Königsfamilie, und offenbar handelt es sich bei den Dargestellten um das Königspaar, das nur als Spiegelbild zu sehen ist.[63] Velázquez begann in erster Linie als Genremaler und wurde schnell als Hofmaler Philipps IV

Berühmt in der Kunst der Porträtmalerei, insbesondere bei der Erweiterung der Komplexität von Gruppenporträts.[64] Meister des raffinierten Porträts waren Rokoko-Künstler, die sich besonders für reiche und filigrane Ornamentik interessierten

Ihre Aufmerksamkeit für die Details von Kleidung und Textur erhöhte die Wirksamkeit von Porträts als Zeugnisse weltlichen Reichtums, wie François Bouchers berühmte Porträts von Madame de Pompadour in wogenden Seidengewändern belegen

Die ersten großen einheimischen Porträtmaler der britischen Schule waren Engländer Maler Thomas Gainsborough und Sir Joshua Reynolds, die sich ebenfalls darauf spezialisierten, ihre Motive auffällig zu kleiden

Gainsboroughs Blue Boy ist eines der berühmtesten und anerkanntesten Porträts aller Zeiten, gemalt mit sehr langen Pinseln und dünner Ölfarbe, um den schimmernden Effekt des blauen Kostüms zu erreichen.[66] Gainsborough war auch bekannt für seine aufwändigen Hintergrundeinstellungen für seine Motive

Die beiden britischen Künstler hatten gegensätzliche Meinungen zum Einsatz von Assistenten

Reynolds setzte sie regelmäßig ein (manchmal machte er nur 20 Prozent der Malerei selbst), während Gainsborough dies selten tat

Manchmal verlangte ein Kunde vom Künstler eine Zusage, so wie Sir Richard Newdegate vom Porträtmaler Peter Lely (van Dycks Nachfolger in England), der versprach, dass das Porträt „vom Anfang bis zum Ende mit meinen eigenen Händen gezeichnet“ werden würde

68] Im Gegensatz zu der von den flämischen Meistern angewandten Genauigkeit fasste Reynolds seine Herangehensweise an die Porträtmalerei zusammen, indem er feststellte, dass „die Anmut und, wir können hinzufügen, die Ähnlichkeit mehr darin bestehen, die allgemeine Luft zu nehmen, als die genaue Ähnlichkeit zu beobachten jedes Merkmal.“[69] Ebenfalls prominent in England war William Hogarth, der es wagte, sich konventionellen Methoden zu widersetzen, indem er seinen Porträts einen Hauch von Humor hinzufügte

Sein “Selbstbildnis mit Mops” ist eindeutig eher eine humorvolle Interpretation seines Haustieres als ein zügelloses Gemälde.[70] Im 18

Jahrhundert gewannen Malerinnen vor allem im Bereich der Porträtmalerei neue Bedeutung

Bemerkenswerte Künstlerinnen sind die französische Malerin Élisabeth Vigée-Lebrun, die italienische Pastellkünstlerin Rosalba Carriera und die Schweizer Künstlerin Angelica Kauffman

Auch in diesem Jahrhundert, vor der Erfindung der Fotografie, wurden Miniaturporträts – mit unglaublicher Präzision gemalt und oft in Gold oder emaillierte Medaillons eingeschlossen – sehr geschätzt.

In den Vereinigten Staaten wurde John Singleton Copley, geschult in der raffinierten britischen Art, zum führenden Maler von Porträts in Originalgröße und Miniaturen, wobei seine hyperrealistischen Bilder von Samuel Adams und Paul Revere besonders angesehen waren

Copley ist auch bemerkenswert für seine Bemühungen, die Porträtmalerei mit der akademisch höher verehrten Kunst der Historienmalerei zu verschmelzen, was er mit seinen Gruppenporträts berühmter Militärs versuchte.[71] Ebenso berühmt war Gilbert Stuart, der über 1.000 Porträts malte und besonders für seine Präsidentenporträts bekannt war

Stuart malte allein über 100 Repliken von George Washington.[72] Stuart arbeitete schnell und verwendete weichere, weniger detaillierte Pinselstriche als Copley, um die Essenz seiner Motive einzufangen

Manchmal fertigte er mehrere Versionen für einen Kunden an, sodass der Dargestellte seinen Favoriten auswählen konnte.[73] Bekannt für seine rosigen Wangentöne, schrieb Stuart: „Fleisch ist wie keine andere Substanz unter dem Himmel

Es hat die ganze Fröhlichkeit des Seidenhändlerladens ohne seinen grellen Glanz und die ganze Weichheit von altem Mahagoni ohne seine Traurigkeit.“ [74] Andere prominente amerikanische Porträtmaler der Kolonialzeit waren John Smibert, Thomas Sully, Ralph Earl, John Trumbull, Benjamin West, Robert Feke, James Peale, Charles Willson Peale und Rembrandt Peale.

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19

Jahrhundert [ bearbeiten ]

Im späten 18

und frühen 19

Jahrhundert setzten neoklassizistische Künstler die Tradition fort, Motive in der neuesten Mode darzustellen, was für Frauen damals durchscheinende Gewänder bedeutete, die von antiken griechischen und römischen Kleidungsstilen abgeleitet waren

Die Künstler verwendeten gerichtetes Licht, um die Textur und die einfache Rundung von Gesichtern und Gliedmaßen zu definieren

Die französischen Maler Jacques-Louis David und Jean-Auguste-Dominique Ingres bewiesen Virtuosität in dieser zeichnerischen Technik sowie ein scharfes Auge für Charakter

Ingres, ein Schüler von David, ist bemerkenswert für seine Porträts, in denen ein Spiegel hinter dem Motiv gemalt ist, um eine Rückansicht des Motivs zu simulieren.[75] Sein Porträt von Napoleon auf seinem kaiserlichen Thron ist eine Tour de Force der königlichen Porträtmalerei

(siehe Galerie unten)

Künstler der Romantik, die in der ersten Hälfte des 19

Jahrhunderts tätig waren, malten mit lebhaften Pinselstrichen und dramatischer, manchmal stimmungsvoller Beleuchtung Porträts von inspirierenden Führern, schönen Frauen und aufgeregten Personen

Die französischen Künstler Eugène Delacroix und Théodore Géricault malten besonders schöne Porträts dieser Art, insbesondere schneidige Reiter.[76] Ein bemerkenswertes Beispiel für einen Künstler der Romantik in Polen, der ein Reiterporträt praktizierte, war Piotr Michałowski (1800–1855)

Bemerkenswert ist auch Géricaults Porträtserie von Geisteskranken (1822–1824)

Der spanische Maler Francisco de Goya malte einige der eindringlichsten und provokativsten Bilder dieser Zeit, darunter La maja desnuda (ca

1797–1800) sowie berühmte Hofporträts von Karl IV

Die realistischen Künstler des 19

Jahrhunderts, wie Gustave Courbet, schufen objektive Porträts von Menschen der unteren und bürgerlichen Klasse

Um seine Romantik zu demonstrieren, malte Courbet mehrere Selbstporträts, die sich in unterschiedlichen Stimmungen und Ausdrücken zeigten.[77] Andere französische Realisten sind Honoré Daumier, der viele Karikaturen seiner Zeitgenossen produzierte

Henri de Toulouse-Lautrec zeichnete einige der berühmten Darsteller des Theaters auf, darunter Jane Avril, und hielt sie in Bewegung fest.[78] Der französische Maler Édouard Manet war ein wichtiger Übergangskünstler, dessen Werk zwischen Realismus und Impressionismus schwebt

Er war ein Porträtist von herausragender Einsicht und Technik, wobei sein Gemälde von Stéphane Mallarmé ein gutes Beispiel für seinen Übergangsstil ist

Sein Zeitgenosse Edgar Degas war in erster Linie ein Realist, und sein Gemälde Portrait of the Bellelli Family ist eine aufschlussreiche Darstellung einer unglücklichen Familie und eines seiner besten Porträts.[79]

In Amerika regierte Thomas Eakins als führender Porträtmaler und brachte den Realismus auf eine neue Ebene der Offenheit, insbesondere mit seinen beiden Porträts von Chirurgen bei der Arbeit sowie denen von Sportlern und Musikern in Aktion

In vielen Porträts, wie „Portrait of Mrs

Edith Mahon“, vermittelt Eakins kühn die wenig schmeichelhaften Gefühle von Trauer und Melancholie.[80] Die Realisten wichen in den 1870er Jahren größtenteils den Impressionisten

Teilweise aufgrund ihres mageren Einkommens verließen sich viele der Impressionisten auf Familie und Freunde, um für sie zu modellieren, und sie malten intime Gruppen und einzelne Figuren entweder im Freien oder in lichtdurchfluteten Innenräumen

Impressionistische Porträts, die für ihre schimmernden Oberflächen und reichen Farbtupfer bekannt sind, sind oft entwaffnend intim und ansprechend

Die französischen Maler Claude Monet und Pierre-Auguste Renoir schufen einige der beliebtesten Bilder von einzelnen Dargestellten und Gruppen

Die amerikanische Künstlerin Mary Cassatt, die in Frankreich ausgebildet und gearbeitet hat, ist noch heute für ihre ansprechenden Bilder von Müttern und Kindern beliebt, ebenso wie Renoir.[81] Paul Gauguin und Vincent van Gogh, beides Postimpressionisten, malten aufschlussreiche Porträts von Menschen, die sie kannten, wirbelnde Farben, aber nicht unbedingt schmeichelhaft

Sie werden gleichermaßen, wenn nicht sogar noch mehr, für ihre kraftvollen Selbstporträts gefeiert

John Singer Sargent überspannte auch den Jahrhundertwechsel, lehnte jedoch den offenen Impressionismus und den Postimpressionismus ab

Er war der erfolgreichste Porträtmaler seiner Zeit und verwendete eine meist realistische Technik, die oft mit dem brillanten Einsatz von Farbe übergossen wurde

Er war gleichermaßen geeignet für Einzel- und Gruppenporträts, insbesondere von Familien der Oberschicht

Sargent wurde in Florenz, Italien, als Sohn amerikanischer Eltern geboren

Er studierte in Italien und Deutschland sowie in Paris

Sargent gilt als der letzte große Vertreter der britischen Porträttradition, beginnend mit van Dyck.[81] Ein weiterer prominenter amerikanischer Porträtist, der im Ausland ausgebildet wurde, war William Merritt Chase

Die amerikanische Gesellschaftsmalerin Cecilia Beaux, genannt die “weibliche Sargent”, wurde von einem französischen Vater geboren, studierte im Ausland und war zu Hause erfolgreich, indem sie an traditionellen Methoden festhielt

Ein weiterer Porträtist, der wegen seiner üppigen Technik mit Sargent verglichen wurde, war der in Italien geborene Pariser Künstler Giovanni Boldini, ein Freund von Degas und Whistler

Der in Amerika geborene Internationalist James Abbott McNeill Whistler hatte gute Verbindungen zu europäischen Künstlern und malte auch einige außergewöhnliche Porträts, am bekanntesten sein Arrangement in Grau und Schwarz, The Artist’s Mother (1871), auch bekannt als Whistler’s Mother.[82] Auch bei seinen Porträts wie bei seinen tonalen Landschaften wollte Whistler, dass sich seine Betrachter auf die harmonische Anordnung von Form und Farbe in seinen Gemälden konzentrieren

Whistler verwendete eine gedämpfte Palette, um seine beabsichtigten Effekte zu erzielen, wobei er die Farbbalance und weiche Töne betonte

Wie er feststellte, „wie Musik die Poesie des Klangs ist, so ist die Malerei die Poesie des Sehens, und das Thema hat nichts mit der Harmonie des Klangs oder der Farbe zu tun.“[83] Form und Farbe waren ebenfalls zentral Cézannes Porträts, während noch extremere Farb- und Pinselstrichtechniken die Porträts von André Derain und Henri Matisse dominieren.[84]

Die Entwicklung der Fotografie im 19

Jahrhundert hatte einen wesentlichen Einfluss auf die Porträtmalerei und verdrängte die frühere Camera Obscura, die zuvor auch als Hilfsmittel in der Malerei verwendet worden war

Viele Modernisten strömten in Scharen in die Fotostudios, um sich porträtieren zu lassen, darunter Baudelaire, der, obwohl er die Fotografie zum „Feind der Kunst“ erklärte, sich von der Offenheit und Kraft der Fotografie angezogen fühlte.[85] Durch die Bereitstellung einer billigen Alternative verdrängte die Fotografie einen Großteil der niedrigsten Ebene der Porträtmalerei

Einige realistische Künstler wie Thomas Eakins und Edgar Degas waren begeistert von der Kamerafotografie und fanden darin eine nützliche Kompositionshilfe

Von den Impressionisten an fanden Porträtmaler unzählige Möglichkeiten, das Porträt neu zu interpretieren, um effektiv mit der Fotografie zu konkurrieren.[86] Sargent und Whistler waren unter denen, die angeregt wurden, ihre Technik zu erweitern, um Effekte zu erzeugen, die die Kamera nicht erfassen konnte

20

Jahrhundert [ bearbeiten ]

Auch andere Künstler des frühen 20

Jahrhunderts erweiterten das Repertoire der Porträtmalerei in neue Richtungen

Der fauvistische Künstler Henri Matisse schuf kraftvolle Porträts mit nicht-naturalistischen, sogar grellen Farben für Hauttöne

Cézanne stützte sich in seinen Porträts auf stark vereinfachte Formen, vermied Details und betonte Farbgegensätze.[88] Der einzigartige Stil des Österreichers Gustav Klimt verwendete byzantinische Motive und Goldfarbe für seine unvergesslichen Porträts

Sein Schüler Oskar Kokoschka war ein bedeutender Porträtist der Wiener Oberschicht

Der produktive spanische Künstler Pablo Picasso malte viele Porträts, darunter mehrere kubistische Darstellungen seiner Geliebten, in denen das Abbild des Motivs grob verzerrt ist, um eine emotionale Aussage zu erzielen, die weit über die Grenzen der normalen Karikatur hinausgeht.[89] Eine herausragende Porträtmalerin der Jahrhundertwende, die mit dem französischen Impressionismus in Verbindung gebracht wird, war Olga Boznańska (1865–1940)

Expressionistische Maler lieferten einige der eindringlichsten und überzeugendsten psychologischen Studien, die jemals produziert wurden

Deutsche Künstler wie Otto Dix und Max Beckmann schufen bemerkenswerte Beispiele expressionistischer Porträts

Beckmann war ein produktiver Selbstporträtist und produzierte mindestens siebenundzwanzig.[90] Amedeo Modigliani malte viele Porträts in seinem langgestreckten Stil, der die “innere Person” zugunsten strenger Form- und Farbstudien abwertete

Um dies zu erreichen, betonte er die normalerweise ausdrucksstarken Augen und Augenbrauen bis hin zu geschwärzten Schlitzen und einfachen Bögen

Die britische Kunst wurde von den Vorticists vertreten, die zu Beginn des 20

Jahrhunderts einige bemerkenswerte Porträts malten

Der Dada-Maler Francis Picabia fertigte zahlreiche Porträts in seiner einzigartigen Art und Weise an

Darüber hinaus haben Tamara de Lempickas Porträts die Art-déco-Ära mit ihren stromlinienförmigen Kurven, satten Farben und scharfen Winkeln erfolgreich eingefangen

In Amerika waren Robert Henri und George Bellows hervorragende Porträtisten der 1920er und 1930er Jahre der amerikanischen Realistenschule

Ein Beispiel für ein modernes kollegiales Porträt lieferte Max Ernst mit seinem Gemälde Alle Freunde zusammen von 1922.[92] Einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung der Porträtmalerei von 1930–2000 leisteten russische Künstler, die hauptsächlich in den Traditionen der realistischen und figurativen Malerei arbeiteten

Unter ihnen sollen Isaak Brodsky, Nikolai Fechin, Abram Arkhipov und andere genannt werden.[93]

Die Porträtproduktion in Europa (außer Russland) und Amerika ging in den 1940er und 1950er Jahren im Allgemeinen zurück, was auf das zunehmende Interesse an Abstraktion und nichtfigurativer Kunst zurückzuführen war

Eine Ausnahme bildete jedoch Andrew Wyeth, der sich zum führenden amerikanischen Porträtmaler des Realismus entwickelte

Bei Wyeth ist der Realismus, obwohl offenkundig, zweitrangig gegenüber den tonalen Qualitäten und der Stimmung seiner Bilder

Dies zeigt sich treffend in seiner bahnbrechenden Gemäldeserie, den sogenannten “Helga”-Bildern, der größten Gruppe von Porträts einer einzelnen Person eines bedeutenden Künstlers (247 Studien seiner Nachbarin Helga Testorf, bekleidet und nackt, in unterschiedlichen Umgebungen, gemalt während Zeitraum 1971–1985).[94]

In den 1960er und 1970er Jahren gab es eine Wiederbelebung der Porträtmalerei

Englische Künstler wie Lucian Freud (Enkel von Sigmund Freud) und Francis Bacon haben kraftvolle Gemälde geschaffen

Bacons Porträts zeichnen sich durch ihre alptraumhafte Qualität aus

Im Mai 2008 wurde Freuds Porträt „Benefits Supervisor Sleeping“ von 1995 von Christie’s in New York City für 33,6 Millionen Dollar versteigert und stellte damit einen Weltrekord für den Verkaufswert eines Gemäldes eines lebenden Künstlers auf.[95] Viele zeitgenössische amerikanische Künstler, wie Andy Warhol, Alex Katz und Chuck Close, haben das menschliche Gesicht zu einem Schwerpunkt ihrer Arbeit gemacht

Warhol war einer der produktivsten Porträtmaler des 20

Jahrhunderts

Warhols Gemälde Orange Shot Marilyn von Marilyn Monroe ist ein ikonisches frühes Beispiel seiner Arbeit aus den 1960er Jahren, und Orange Prince (1984) des Popsängers Prince ist ein späteres Beispiel, die beide Warhols einzigartigen grafischen Porträtstil aufweisen

[98][99]

Closes Spezialität waren riesige, hyperrealistische „Kopf“-Porträts in Wandgröße, die auf fotografischen Bildern basierten

Jamie Wyeth setzt die realistische Tradition seines Vaters Andrew fort und produziert berühmte Porträts, deren Themen von Präsidenten bis zu Schweinen reichen

Islamische Welt und Südasien [ bearbeiten ]

Der Mogulkaiser Jahangir ließ sich oft mit einem Heiligenschein von beispielloser Größe darstellen

ca

1620

Die persische Miniaturentradition verzichtete lange Zeit darauf, Figuren individualisierte Gesichtszüge zu geben, teilweise aus religiösen Gründen, um jeden Anflug von Götzendienst zu vermeiden

Herrscher in der islamischen Welt brachten ihr Bild nie auf ihre Münzen, und ihr Erscheinen war nicht so Teil ihrer Öffentlichkeitsarbeit wie im Westen

Auch dort, wo eine Szene deutlich den Hof des Auftraggebers zeigt, weisen die Gesichtszüge der Hauptfigur dieselben eher chinesisch anmutenden Züge auf wie alle anderen

Diese lang anhaltende Konvention scheint auf den Beginn der Miniaturtradition unter den mongolischen Ilkhaniden zurückzuführen zu sein, überlebte sie jedoch lange

Als sich die persische Tradition als Mogulminiatur in Indien entwickelte, änderten sich die Dinge schnell

Im Gegensatz zu ihren persischen Vorgängern legten die Mäzene der Moguln großen Wert auf detaillierte naturalistische Abbildungen aller unbekannten natürlichen Formen ihres neuen Reiches, wie Tiere, Vögel und Pflanzen

Sie hatten die gleiche Einstellung zur menschlichen Porträtmalerei, und individuelle Porträts, normalerweise im Profil, wurden zu einem wichtigen Merkmal der Tradition

Besonders betont wurde dies unter Kaiser Akbar dem Großen, der offenbar Legastheniker war und selbst kaum lesen und schreiben konnte

Er ließ ein großes Album (muraqqa) mit Porträts aller führenden Mitglieder seines riesigen Hofes anfertigen und benutzte dieses, wenn er Termine mit seinen Beratern im ganzen Reich in Erwägung zog.[100] Spätere Kaiser, insbesondere Jahangir und Shah Jahan, nutzten idealisierte Miniaturporträts von sich selbst als eine Form der Propaganda und verteilten sie an bedeutende Verbündete

Diese zeigten oft Heiligenscheine, die größer waren als die religiöser Figuren

Solche Bilder verbreiteten die Idee des Porträts des Herrschers an kleineren Höfen, so dass viele kleine Radschas im 18

Jahrhundert Hofkünstler unterhielten, um sie in eher stilisierten Bildern darzustellen, die den Sinn für Ungezwungenheit und Majestät vereinen.

Osmanische Miniaturen hatten im Allgemeinen Figuren mit Gesichtern, die noch weniger individualisiert waren als ihre persischen Entsprechungen, aber es entwickelte sich ein Genre kleiner Porträts von Männern aus der kaiserlichen Familie

Diese hatten sehr individuelle und ziemlich übertriebene Züge, einige überlieferte Karikaturen; Sie wurden wahrscheinlich nur von einem sehr begrenzten Kreis gesehen

Die persische Qajar-Dynastie wandte sich ab 1781 großen königlichen Porträts in Öl sowie Miniaturen und Textilbehängen zu

Diese werden von den prächtigen Kostümen und langen Bärten der Schahs dominiert

Chinesische Porträtmalerei [ bearbeiten ]

Die chinesische Porträtmalerei wünschte oder erreichte nur langsam eine tatsächliche Ähnlichkeit

Viele “Porträts” zeigten berühmte Persönlichkeiten aus der Vergangenheit und zeigten eine Vorstellung davon, wie diese Person aussehen sollte

Buddhistische Geistliche, insbesondere in der Bildhauerei, bildeten hiervon eher eine Ausnahme

Porträts des Kaisers wurden lange Zeit nie öffentlich gezeigt, teilweise aus Angst, dass Misshandlungen den Kaiser entehren oder sogar Unglück bringen könnten

Den ranghöchsten Ministern wurde einmal im Jahr erlaubt, den Bildern in der kaiserlichen Galerie der Ahnenporträts als besondere Ehre zu huldigen

Han-Dynastie (206 v

Chr.–220 n

Chr.) [ bearbeiten ]

Während der Han-Dynastie führte der Aufstieg des Konfuzianismus, den die Menschen als Zentrum des Universums und der Gesellschaft betrachteten, zu einem Fokus auf psychologische Studien

In der Zwischenzeit begannen taoistische Gelehrte mit dem Studium der Physiognomie

Das kombinierte Interesse an den psychologischen und physischen Merkmalen des Menschen führte zu einem Wachstum der Biographie und Porträtmalerei

Porträtmalereien, die während der Han-Dynastie entstanden, galten als Prototypen der frühesten chinesischen Porträtmalereien, von denen die meisten an den Wänden von Palasthallen, Grabkammern und Opferschreinen gefunden wurden

Zum Beispiel die eingravierte Figur eines Mannes, die in einer Grabplatte aus West-Henan aus dem 3

Jahrhundert v

Chr

gefunden wurde

zeigt die Beobachtung und den Wunsch des Malers, lebendige Figuren zu schaffen

Die Motive der meisten Wandporträts sind jedoch anonyme Figuren, die sich unterhalten

Trotz der lebendigen Darstellung von körperlichen Merkmalen und Gesichtsausdrücken kategorisieren viele Gelehrte diese Wandmalereien aus der Han-Dynastie aufgrund des Mangels an Identität und der engen Bindung an den narrativen Kontext als “Charakterfiguren in Aktion” und nicht als tatsächliche Ähnlichkeiten bestimmter Personen.[101 ]

Jin-Dynastie (265–410 n

Chr.) Die Jin-Dynastie war eine der turbulentesten Perioden in der alten chinesischen Geschichte

Nach den jahrzehntelangen Kriegen zwischen den drei Staaten Wei, Shu und Wu von 184 bis 280 n

Chr

gründete Sima Yan schließlich 266 n

Chr

die westliche Jin-Dynastie

Das instabile gesellschaftspolitische Umfeld und die schwindende imperiale Autorität führten zu einem Übergang vom Konfuzianismus zum Neo-Daoismus

Als die Haltung, die soziale Hierarchie zu brechen, und der Anstand aufblühten, begannen Selbstdarstellung und Individualismus unter der Intelligenz zu wachsen

Die Sieben Weisen des Bambushains und Rong Qiqi ist ein Fadenrelief-Gemälde auf Fliesen, das in einer Ziegelkammer der Jin-Dynastie gefunden wurde Grab in Nanjing

Das Relief ist 96 Zoll lang und 35 Zoll breit und enthält mehr als 300 Steine

Es ist eines der am besten erhaltenen Fadenrelief-Gemälde aus der Jin-Dynastie, das hochwertige Handwerkskunst widerspiegelt

Das Relief besteht aus zwei Teilen und enthält jeweils vier Figurenporträts

Gemäß den neben den Figuren eingeschriebenen Namen sind die acht Figuren von oben nach unten und von links nach rechts Rong Qiqi, Ruan Xian, Liu Ling, Xiang Xiu, Ji Kang, Ruan Ji, Shan Tao, und WangRong

Abgesehen von Rong Qiqi waren die anderen sieben Personen berühmte neo-daoistische Gelehrte der Jin-Dynastie und als die „Sieben Weisen des Bambushains“ bekannt

Sie waren eminent in Literatur, Musik oder Philosophie versierte Intellektuelle

Das Relief zeigt eine erzählende Szene der acht kultivierten Herren, die auf dem Boden im Wäldchen sitzen und verschiedene Tätigkeiten ausüben

Die Figuren wurden in einer entspannten und in sich versunkenen Haltung in lockerer Kleidung und mit bloßen Füßen dargestellt.

Die historisch überlieferten Namensinschriften neben den Figuren bewirken, dass die Reliefmalerei als “Porträt für bestimmte Personen” fungiert.[102] Darüber hinaus bieten die biografischen ikonografischen Details jeder Figur ein Maß an Individualisierung

Zum Beispiel dokumentiert die Biografie von Liu Ling im Buch Jin seine Besessenheit mit Alkohol

Auf dem Reliefbild sitzt die Figur von Liu Ling in lockerer Haltung mit gebogenem Knie und hält ein Erbei, ein Gefäß für Alkohol, während sie mit der anderen Hand in die Tasse taucht, um das Getränk zu probieren

Das Porträt spiegelt die Essenz von Liu Lings Eigenschaften und Temperament wider

Die Figur von Ruan Xian, der laut dem Buch Jin für sein musikalisches Talent berühmt war, spielt auf dem Porträt eine Flöte

Gu Kaizhi, einer der berühmtesten Künstler der östlichen Jin-Dynastie, wies an, die Eigenschaften des Dargestellten durch genaue Darstellung widerzuspiegeln der physikalischen Merkmale in seinem Buch On Painting

Er betonte auch die Erfassung des Geistes des Dargestellten durch lebhafte Darstellung der Augen.[101]

Tang-Dynastie (618–907) Während der Tang-Dynastie nahm die Humanisierung und Personalisierung der Porträtmalerei zu

Aufgrund des Einflusses des Buddhismus nahm das Gemäldeporträt eine realistischere Ähnlichkeit an, insbesondere für die Porträts der Mönche

Der Glaube an die “zeitliche Unbestechlichkeit” des unsterblichen Körpers im Mahayana-Buddhismus verband die Präsenz in einem Bild mit der Präsenz in der Realität

Das Porträt galt als visuelle Verkörperung und Ersatz einer realen Person

Daher wurde die wahre Ähnlichkeit in den Gemälden und Statuen der Mönche hoch geschätzt.[101] Die Wandporträtmalerei der Tang-Dynastie schätzt die spirituelle Qualität – die „Animation durch Geistkonsonanz“ (qi yun shen tong).[103]

In Bezug auf das kaiserliche Porträt verwendete Kaiser Taizong, der zweite Kaiser der Tang-Dynastie, Porträts, um die Nachfolge zu legitimieren und die Macht zu stärken

Er gab das Portrait of Succession Emperors in Auftrag, das die Porträts von 13 Kaisern der vorangegangenen Dynastien in chronologischer Reihenfolge enthält

Die Gemeinsamkeit unter den ausgewählten Kaisern war, dass sie die Söhne der Gründer der Dynastien waren

Da Kaiser Taizongs Vater, Kaiser Gaozu, der Gründer der Tang-Dynastie war, diente Kaiser Taizongs Auswahl der früheren Kaiser in ähnlicher Position als politische Anspielung

Seine Nachfolge wurde angezweifelt und kritisiert, da er zwei seiner Brüder ermordete und seinen Vater zwang, ihm den Thron zu übergeben

Durch die Beauftragung der Sammelporträts der Vorgängerkaiser wollte er die Weitergabe der Herrschaft legitimieren

Darüber hinaus implizierte der Unterschied in den Kostümen der abgebildeten Kaiser die Meinung von Kaiser Taizong über sie

Die in informellen Kostümen dargestellten Kaiser galten als schlechte Beispiele für einen schwachen oder gewalttätigen Herrscher, während die in formellen Kleidern entweder zivile oder militärische Errungenschaften vollbrachten

Der Auftrag war eine indirekte Methode von Kaiser Taizong, um zu verkünden, dass seine Errungenschaften die vorangegangenen Kaiser übertroffen hatten

Kaiser Taizong gab auch eine Reihe von Porträtgemälden berühmter Gelehrter und Intellektueller in Auftrag, bevor er Kaiser wurde

Er versuchte, sich mit den Intellektuellen anzufreunden, indem er die Porträts als Zeichen des Respekts an die Wand des Pingyan-Pavillons hängte

Die Porträts dienten auch als Beweis dafür, dass er von den porträtierten berühmten Gelehrten politische Unterstützung erhalten hatte, um seine Gegner einzuschüchtern

Während seiner Regierungszeit gab Kaiser Taizong Porträts von sich selbst in Auftrag, als er Opfergaben von den Botschaftern der eroberten fremden Länder erhielt, um seine militärischen Errungenschaften zu feiern und zu bewerben.[104] Song-Dynastie (960–1279)

Während der Song-Dynastie, beauftragten Kaiser Gaozong Portraits von Konfuzius und zweiundsiebzig Jünger (sheng xian tu) auf leeren Boden mit seiner handschriftlichen Inschrift

Die Zahlen wurden in der klaren Linien, animierten Gesten dargestellt, und die Mimik wurde auf eine narrative Qualität erbracht

Das Porträt der Heiligen und seine Jünger wurde auf einer Steintafel an der Wand der Reichsuniversität als Moralkodex zu erziehen die Schüler gefunden

Allerdings argumentiert, Wissenschaftler, dass Kaiser Gaozong wahre Zweck der Kommission bekannt zu geben war, dass seine Politik von Konfuzianismus sowie seine Kontrolle über das konfuzianische Erbe unterstützt wurden

[105]

Yuan-Dynastie (1271-1368) [Bearbeiten]

Die Yuan-Dynastie war ein Wendepunkt in der chinesischen Geschichte

Nachdem das mongolische Reich des chinesische Festland erobert und die Song-Dynastie endete, wurde die traditionelle chinesische Intelligenz in einer Dilemma-Situation links zwischen reclusion von der ausländischen Regierung oder verfolgen neue politische Karriere zu wählen

Porträt-Gemälde von „Männern der Kultur“ (wen ren hua) in dieser Zeit spiegelt dieses Dilemma

Zum Beispiel dargestellt das Porträt von Yang Qian ihn in einem Bambuswald stehen

Während der Bambus symbolisiert seine moralische Richtigkeit, die halb geschlossenen und halboffenen Raum im Hintergrund spielt auf sein Potential zwischen reclusion und dienen in der mongolischen Regierung zu wählen

[106]

In Bezug auf die imperiale Porträt, das Porträt von Kublai und das Porträt von Chabi von mongolischen Kaiser Maler Araniko 1294 spiegeln die Fusion der traditionellen chinesischen Kaiser Porträt-Techniken und der Himalaya-mongolischen ästhetischen Wert

Kublai Khan wurde als Ältester Mann porträtiert, während Empress Chabi in der Jugend dargestellt wurde, sowohl traditionelle mongolische imperiale Kostüme tragen

Araniko nahm die chinesische Porträt Technik, wie die Form mit Tinte umreißt und die Form mit Farbe zu verstärken, während der Highlight auf Chabi Schmuck mit dem gleichen Farbton, aber leichte Wert erwies sich als eine Fortsetzung des Himalaya-Stils

Die volle frontale Ausrichtung der Sitter und ihre zentrierte Schüler fügen Sie eine Konfrontations Wirkung auf den Betrachter, der die Nepali Ästhetik und Stil widerspiegelt

Die hochsymmetrischen Aufbau und die starre Darstellung von Haaren und Kleidung unterschied sich von der vorherigen Song-Dynastie Malstil

Es gibt wenige Auswirkungen auf dem moralischen Verdienst der Dargestellten oder ihre Persönlichkeit, eine Ablösung des Malers aus dem Dargestellten angibt, die auf der Erfassung des Geistes mit der Song-Dynastie Betonung widerspricht

[107]

Qing-Dynastie (1636-1912) [Bearbeiten]

Während der Qing-Dynastie, die achtzehnten Jahrhundert europäisches Maskerade Gericht Porträts, die die Aristokraten porträtierten in verschiedenen Aktivitäten in verschiedenen Kostümen Eingriff wurden nach China importiert

Der Yongzheng Kaiser und sein Sohn, der Qianlong Kaiser beauftragte eine Reihe von Maskerade Porträt-Gemälde mit verschiedenen politischen Implikationen

In den meisten der Maskerade Porträt des Yongzheng Kaiser, trägt er exotische Kostüme wie der Anzug des Europäischen Gentleman

Der Mangel an Inschrift auf der Porträtmalerei verläßt seine Absicht unklar, aber einige Wissenschaftler glauben, dass das exotische Kostüm sein Interesse an den fremden Kultur widerspiegelt und den Wunsch, die Welt zu regieren

Im Vergleich mit dem zweideutigen Haltung des Yongzheng Kaiser, schrieb der Kaiser Qianlong Inschriften auf seinen Maskerade Porträts seine Philosophie des „Way of Ruling“ zu beschreiben, die waren zu verbergen und zu täuschen, so dass seine Untergebenen und Feinde nicht seine Strategien verfolgen

Im Vergleich mit der Begeisterung des Yongzheng Kaiser in exotischen Kostüm zeigte der Kaiser Qianlong mehr Interesse in der traditionellen chinesischen Kostüm wie als konfuzianischen Gelehrten Dressing, taoistischer Priester und buddhistischer Mönch, der Manifeste seinen Wunsch in erobern die traditionelle chinesische Erbe.

Der Qianlong-Kaiser gab die Friedensbotschaft des Frühlings in Auftrag, nachdem er den Thron von seinem Vater geerbt hatte, ein Doppelporträt von ihm und seinem Vater, gekleidet in konfuzianischen Gelehrtengewändern anstelle von traditionellen Mandschu-Roben, die Seite an Seite neben Bambus stehen

Wissenschaftler glauben, dass die Kommission darauf abzielte, seine Thronfolge zu legitimieren, indem sie die körperliche Ähnlichkeit zwischen ihm und seinem Vater wie Gesichtsstruktur, identisches Kostüm und Frisur betonte

Der Bambuswald im Hintergrund weist auf ihre moralische Gerechtigkeit hin, die vom traditionellen Konfuzianismus vorgeschlagen wird

Das Porträt zeigt den Yongzheng-Kaiser in größerem Maßstab, der dem Qianlong-Kaiser einen blühenden Zweig als politische Metapher der kaiserlichen Herrschaftsgewalt überreicht

Der Qianlong-Kaiser bewarb auch seine vom Konfuzianismus vorgeschlagene kindliche Frömmigkeit, indem er in einer bescheidenen Geste posierte.[108] Der Jesuitenmaler Giuseppe Castiglione verbrachte vor seinem Tod 1766 50 Jahre am Kaiserhof und war Hofmaler dreier Kaiser

In seinen Porträts, wie auch in anderen Genres, kombinierte er Aspekte des traditionellen chinesischen Stils mit zeitgenössischer westlicher Malerei

Porträtmalerei von Frauen von der Han-Dynastie bis zur Qing-Dynastie [ bearbeiten ]

Hofporträt der Kaiserin Renhuai (1016–1079) (Ehefrau von Kaiser Qinzong), Song-Dynastie

Die Porträtmalerei von Frauen im alten China von der Han-Dynastie bis zur Qing-Dynastie (206 v

Chr

– 1912) entwickelte sich unter großem Einfluss der konfuzianischen patriarchalischen Kosmologie, jedoch variierten das Thema und der Stil entsprechend der Kultur jeder Dynastie Han-Dynastie (206 v

Chr

– 220 n

Chr.) waren Frauen in der Porträtmalerei eher ein Typus als eine bestimmte Person

Das Hauptthema waren idealisierte vorbildliche Frauen (lie nü) mit konfuzianisch inspirierten Tugenden wie Keuschheit, dreifacher Gehorsam (san cong) gegenüber Vater, Ehemann, Sohn

Gu Kaizhis Handschrift Vorbildliche Frauen (lie nü tu), die kurz nach der Han-Dynastie geschaffen wurde, repräsentiert dieses Genre

In der Tang-Dynastie (618–906) wurden Palastfrauen (shi nü), die tägliche Hausarbeiten oder Unterhaltung verrichteten, zu einem beliebten Thema

Die weibliche Schönheit und der Charme der Palastdamen wurden zwar geschätzt, das Sujet blieb aber unspezifisch unter dem Gemäldenamen „Palastdamen“

Eigenschaften, die vom Konfuzianismus gefördert wurden, darunter unterwürfig und angenehm, wurden als Schönheitsstandards erfasst und im Porträt betont

Die Maler strebten nach Korrektheit und Ähnlichkeit des Dargestellten und zielten darauf ab, die Reinheit der Seele zu enthüllen

In der Song-Dynastie (960–1279) wurden Porträtgemälde von Frauen auf der Grundlage von Liebesgedichten von Hofdichtern geschaffen

Obwohl sie in luxuriöser Mode und komfortablen Unterkünften leben, wurden Frauen auf dem Gemälde normalerweise als einsam und melancholisch dargestellt, weil sie sich verlassen oder in der Hausarbeit gefangen fühlen, während ihre Ehemänner draußen blieben und ihrer Karriere nachgingen

Zu den üblichen Einstellungen gehören ein leerer Gartenweg und eine leere Plattformcouch, die auf das Fehlen männlicher Figuren hinweisen

Gemeinsamer Hintergrund sind blühende Bäume, die mit Schönheit in Verbindung gebracht wurden, und Bananenbäume, die die Verwundbarkeit von Frauen symbolisierten Eliten

Die meisten Frauen in der Literatenmalerei waren abstrakte Figuren, die als visuelle Metapher dienten und nichts waren

In der Qing-Dynastie (1644–1912) gewann die Literatenmalerei eine größere Vielfalt an Pinselstrichen und die Verwendung heller Farben.[109] Porträt von Ho Bun (何斌), einem Gelehrten-Bürokraten aus der späten Ming-Dynastie, Ende des 16

bis frühen 17

Jahrhunderts, chinesisch

Drei Schönheiten der Gegenwart von Utamaro, 1793

Siehe auch [Bearbeiten]

Referenzen und Notizen[Bearbeiten]

Verweise

Notiz

Die New-Age-Kolumne „Art Notes“ vom 28

Februar 1918 ist eine sorgfältig begründete Analyse der Begründung und Ästhetik der Porträtmalerei von B.H

Dias (Pseudonym von Ezra Pound), ein aufschlussreicher Bezugsrahmen für die Betrachtung jedes Porträts, ob alt oder neu.

Weiterführende Literatur[Bearbeiten]

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Die Porträtmalerei ist seit vielen Jahrhunderten ein unglaublich beliebtes Genre der Malerei

Die meisten Künstler haben im Laufe ihrer Karriere mit irgendeiner Form der Porträtmalerei experimentiert, wobei mehrere Künstler die berühmtesten Porträtmalereien aller Zeiten geschaffen haben

Obwohl sie so bewundert wird, gilt die Porträtmalerei als eines der am schwierigsten zu beherrschenden Genres in der Kunstwelt

Im Folgenden werfen wir einen Blick auf 15 der berühmtesten Porträtkünstler, die je gelebt haben, zusammen mit ihren ikonischen und immer noch verehrten Kunstwerken

Was sind Porträtmalereien?

Die Porträtmalerei gilt als das am weitesten verbreitete Genre in der Malerei und wurde von den meisten Künstlern irgendwann versucht

Beschrieben als ein Malstil, der ein bestimmtes menschliches Subjekt darstellen soll, entwickelte sich der Begriff „Porträtmalerei“, um sowohl die abgebildete Person als auch das eigentliche Gemälde genau zu klassifizieren

Da sich dieser uralte Stil durch die Porträts anderer definiert hat, wurde im Laufe der Jahre eine umfangreiche und umfassende Sammlung berühmter Kunstporträts zusammengestellt, wobei verschiedene einflussreiche Maler die Gruppe ergänzten

Es wird allgemein angenommen, dass die Porträtmalerei am wichtigsten ist eine herausfordernde Form der Malerei, da sie eine eifrige Schärfe erfordert, um die menschliche Form bis ins kleinste Detail darzustellen

Im Allgemeinen arbeiten Künstler, die Porträtgemälde erstellen, daran, eine präzise Darstellung ihres Motivs einzufangen und gleichzeitig ihre körperlichen, geistigen und sogar spirituellen Eigenschaften auf bewundernswerte Weise hervorzuheben

Da Porträts dazu neigen, sowohl beim Künstler als auch beim Betrachter große Emotionen hervorzurufen, liegt der Fokus darauf Das Gesicht, der Ausdruck und die Persönlichkeit des Einzelnen sind sehr einflussreich

Jakob Cornelisz

van Oostsanen malt ein Porträt seiner Frau (1550) von

Viele der besten Künstler der Geschichte hatten ein bemerkenswertes Talent, das es ihnen ermöglichte, den Kern menschlicher Emotionen in einem einsamen Porträt auszudrücken

Oft studierten diese Künstler die menschliche Anatomie bis ins kleinste Detail, so dass sie die Feinheiten jeder kleinen Veränderung des Ausdrucks akribisch verstehen und in ihren Kunstwerken darstellen konnten

Interessanterweise sind die Künstler bei der Überprüfung der berühmtesten Porträtgemälde, die jemals gemacht wurden, allgemein bekannt, während das eigentliche Thema der Arbeit weniger offensichtlich bleibt

Zusätzlich zu den bekannten Porträts waren viele Künstler, die lebten, nur dafür bekannt, zu malen Porträts während ihrer gesamten Karriere

Diese berühmten Porträtkünstler schufen in der Regel Kunstwerke auf der Grundlage von Aufträgen für öffentliche und private Gruppen, wobei die Gemälde als Erinnerung an die Reichen und Einflussreichen dienten

Betrachtet man die berühmtesten Porträtgemälde, die im Laufe der Jahre entstanden sind, darunter sowohl Gruppen- als auch Selbstporträts, wird deutlich, welch großen Einfluss diese spezialisierte Form der Malerei auf die Kunstwelt hatte

Unsere Top 15 der berühmtesten Porträtmalerei aller Zeiten

Im Laufe der Geschichte haben berühmte Kunstporträts und Künstler die Kunstwelt dominiert

Dies liegt an den genauen Fähigkeiten, die für die Herstellung von Porträts erforderlich sind, sowie an der großen Wirkung, die bestimmte Künstler auf das Publikum hatten

Beim Vergleich bestimmter Porträts stechen einige aufgrund des gewählten Themas, der Art und Weise, wie das Werk gemalt wurde, oder sogar aufgrund des Künstlers selbst mehr hervor als andere

Obwohl die folgende Liste keineswegs vollständig ist, haben wir sie zusammengestellt unsere Top 15 der berühmtesten Porträtgemälde aller Zeiten.

Mona Lisa (1503 – 1506) von Leonardo da Vinci

Künstler Leonardo da Vinci Datum 1503 – 1506 Medium Öl auf Pappelplatte Abmessungen 77 cm x 53 cm Wo es sich derzeit befindet Louvre, Paris

Das wohl berühmteste Porträt der Kunstgeschichte, das jemals gemalt wurde, sowie das am meisten anerkannte Kunstwerk, ist die Mona Lisa, die zu Beginn des 16

Jahrhunderts von Leonardo da Vinci gemalt wurde

Sowohl die technischen Aspekte des Gemäldes als auch das eigentliche Thema faszinieren die Betrachter seit Jahrhunderten und wecken großes Interesse.

Da Vinci, auch als „Porträt von Lisa Gherardini“ bekannt, nutzte extreme Details, um den neugierigen Ausdruck ihres Gesichts und ihrer Augen genau einzufangen, von denen man sagt, dass sie Ihnen folgen, wo immer Sie stehen.

Porträt von Mona Lisa del Giocondo (1503- 1506) von Leonardo da Vinci; Leonardo da Vinci, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Betrachtet man die Komposition der Mona Lisa, so entsteht durch die Position ihrer verschränkten Arme subtil ein Dreieck, das bis zu ihrem Kopf führt

Obwohl diese Pose zu dieser Zeit als beliebt bekannt war, trug die nuancierte Art und Weise, wie da Vinci sie einfing, dazu bei, die gesamte Aufmerksamkeit auf ihr interessantes Gesicht zu lenken

Sie blickte die Betrachter mit einem sanften Lächeln auf ihrem Gesicht selbstbewusst an, ihre wandernden Augen und ihr schlaues Grinsen haben es seit dem Debüt des Kunstwerks das zentrale Diskussionsthema

Denn ihr „rätselhaftes Lächeln“ soll gleichzeitig zu viel und zu wenig sagen

Obwohl sie als das größte Kunstwerk aller Zeiten bezeichnet wird, haben einige Kunsthistoriker die Mona Lisa als „überbewertet“ bezeichnet

Dies liegt hauptsächlich an ihrer geringen Größe, wobei einige glauben, dass da Vinci das Kunstwerk aufgrund ihrer fehlenden Augenbrauen unvollständig hinterlassen hat

Die Mona Lisa erlangte erst 1911 nach ihrem Diebstahl weltweite Berühmtheit und wurde schließlich zum meistbesuchten, meistbeschriebenen und parodierten Kunstwerk der Welt

Im Jahr 2016 brach sie den Guinness-Weltrekord für eine Versicherung von 100 Millionen US-Dollar, und im Jahr 2021 ist die Mona Lisa über 870 Millionen US-Dollar wert.

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Vertumnus (1591) von Giuseppe Arcimboldo

Künstler Giuseppe Arcimboldo Datum 1591 Medium Öl auf Holz Abmessungen 68 cm x 56 cm Wo es sich derzeit befindet Schloss Skokloster, Schweden

Der Malstil von Giuseppe Arcimboldo ist unübersehbar, wenn man bedenkt, dass der Renaissance-Künstler dafür berühmt war, seine Porträts ausschließlich aus Früchten, Gemüse und Pflanzen zu erstellen

Bekannt für seine skurrilen Porträts, war Arcimboldo in der Lage, seine Motive durch die Verwendung einer Vielzahl von Objekten einigermaßen genau darzustellen

Vertumnus wurde angefertigt, um den Kaiser des Heiligen Römischen Reiches Rudolf II

darzustellen, der der römische Gott der Metamorphosen in Natur und Leben war

Jedes im Gemälde verwendete Objekt war in irgendeiner Weise direkt mit dem Kaiser verbunden

Vertumnus oder Rudolf II

von Hamsburg (1590 ) durch

Trotz Arcimboldos spielerischer Herangehensweise an die Porträtmalerei ist Vertumnus unglaublich präzise in seiner Kreation, da jedes Detail des ausdrucksstarken Gesichts des Kaisers durch ein anderes Stück Nahrung oder Pflanze dargestellt wird

Während das berühmte Porträt auf den ersten Blick albern erscheinen mag, kann man die große Mühe sehen, die Arcimboldo in seine Arbeit gesteckt hat, da sogar die einzelnen Zähne sichtbar sind

Beim Betrachten seines ikonischen Gemäldes zeigt sich die große Vorstellungskraft und Liebe zum Detail, die Arcimboldo hatte sich anstrengen, um ein makelloses Porträt zu schaffen, wird für das Publikum offensichtlich

Obwohl Vertumnus alles andere als realistisch ist, muss das reine Talent von Arcimboldo gelobt werden

Obwohl er grüne Bohnen, rote Früchte und Äpfel ausgewählt hat, um herausragende Merkmale darzustellen, befolgte Arcimboldo immer noch die meisten Prinzipien für typische Porträts zu dieser Zeit

Während der gedämpfte schwarze Hintergrund den Standards für Porträts entsprach, wählte er auch sorgfältig die verwendeten Objekte aus

Durch die Darstellung von Blumen und Früchten aus allen Jahreszeiten symbolisierte Arcimboldo auf subtile Weise die Fülle und Harmonie der Regierungszeit Kaiser Rudolfs

Da er kein beliebter Herrscher war, können wir nur annehmen, dass Arcimboldo sich entschieden hat, ein seltsam flatterndes Gemälde von ihm zu malen

Als möglicher Grund dafür wurde angenommen, dass Kaiser Rudolf ein großer Förderer von Arcimboldos Kunst war

Die Milchmagd (um 1658) von Johannes Vermeer

Künstler Johannes Vermeer Datum ca

1658 Mittleres Öl auf Leinwand Abmessungen 45,5 cm x 41 cm Wo es sich derzeit befindet Rijksmuseum, Amsterdam

Das Milchmädchen, manchmal auch „Das Küchenmädchen“ genannt, wurde von dem niederländischen Künstler Johannes Vermeer gemalt, der einer der großen Meister des niederländischen Goldenen Zeitalters war

Die Milchmagd, die eine gewöhnliche und häusliche Szene eines Küchenmädchens darstellt, das Milch aus einem Krug gießt, unterschied sich stark von Vermeers anderen Werken

Dies lag daran, dass er sich zum ersten Mal dafür entschied, eine einfache und kräftige ältere Frau als sein Motiv zu verwenden, im Gegensatz zu den wohlhabenden und eleganten jungen Damen, die er normalerweise malte

Dieses Gemälde, das sich im Rijksmuseum befindet, wird zweifellos als eines seiner angesehen schönsten und beliebtesten Attraktionen

Die Milchmagd (um 1660) von Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Das Milchmädchen gilt als eines der bemerkenswertesten Werke von Vermeer, da seine Fähigkeit, eine alltägliche Szene aus dem Alltagsleben so ehrlich einzufangen, sehr bewundert wurde

Was das Milchmädchen zu einem so interessanten Porträt macht, ist die völlige Stille, die Vermeer erreicht hat

Außer dem Eingießen der Milch, das die gesamte Aufmerksamkeit der Dame auf sich zieht, bewegt sich nichts in der Komposition

Vermeer wurde hoch gelobt für seine Fähigkeit, eine so unauffällige Aktivität zum vollständigen Thema eines unglaublich beeindruckenden Gemäldes zu machen

Stehend Wie eine Statue in einem hell erleuchteten Raum lenkt die Milchmagd unsere Aufmerksamkeit auf ihre einfache Aufgabe

Da Vermeer ihre Figur mit einer leicht gesenkten Perspektive malte, verlieh er den Betrachtern einen sehr monumentalen Charakter zum Betrachten und Nachdenken

Durch seinen Umgang mit Perspektive und Licht schuf Vermeer eine realistisch wirkende Küche, die bis auf die Tätigkeit der Milchmagd kahl erschien

Selbstporträt (1660) von Rembrandt van Rijn

Künstler Rembrandt Datum 1660 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 80,3 cm x 67,3 cm Wo es derzeit untergebracht ist Metropolitan Museum of Art, New York City

Ein weiteres berühmtes Porträtgemälde auf unserer Liste, das von einem bemerkenswerten Künstler geschaffen wurde, ist das Selbstporträt, das von dem legendären Rembrandt van Rijn gemalt wurde

Rembrandt, bekannt als Maler des Lichts, erklärte, dass seine Farbpalette nur aus dunklen Farben bestand, weil er glaubte, dass Licht das Hauptthema in einem Gemälde sein sollte

Während seiner Karriere malte Rembrandt über 40 verschiedene Selbstporträts und schuf im Alter von 54 Jahren das Selbstporträt

Dieses Gemälde war besonders für seine gerunzelte Stirn und seinen besorgten Ausdruck bekannt

Beim Betrachten dieses Gemäldes liegt der Schwerpunkt der Arbeit in dem unglaublich besorgten Ausdruck auf Rembrandts Gesicht, der den verzweifelten Zustand seines Geistes ausdrücken soll.

Selbst -Porträt (1660) von Rembrandt; Rembrandt, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

In diesem Porträt war Rembrandt in seiner Selbstdarstellung schonungslos, da er die Zeichen seines Alterns durch die Art und Weise, wie er sein zerfurchtes Gesicht malte, deutlich erkannte

Zusätzlich zu den Falten auf seiner Stirn fügte Rembrandt schwere Tränensäcke unter seinen Augen hinzu, die auf extreme Müdigkeit hindeuteten, sowie ein Doppelkinn

Zu der Zeit, als das Selbstporträt gemalt wurde, hatte die Porträtmalerei noch nicht den Unterton entwickelt, ein zu halten große persönliche Entdeckung

Dies kam erst später während der Ära der Romantik, was bedeutete, dass Rembrandts Selbstbildnis nur dazu diente, zu dokumentieren, wer er im 17

Jahrhundert war

Als Rembrandt das Selbstbildnis schuf, hatte er seine Frau und eines seiner Kinder verloren und den Bankrott durch den Verkauf der meisten seiner Gemälde knapp vermieden

All dies kann für die völlige Erschöpfung und Hoffnungslosigkeit verantwortlich sein, die auf seinem Gesicht zu sehen sind ein Perlenohrring (um 1665) von Johannes Vermeer

Künstler Johannes Vermeer Datum c

1665 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 44,5 cm x 39 cm Wo es sich derzeit befindet Mauritshuis, Den Haag

Das wichtigste Kunstwerk, das Johannes Vermeer jemals geschaffen hat, und möglicherweise eines seiner berühmtesten Porträtgemälde, ist „Mädchen mit dem Perlenohrring“

Ursprünglich „Mädchen mit Turban“ genannt, gilt Mädchen mit Perlenohrring weithin als bedeutendes Werk westlicher Kunst und wird oft als „Mona Lisa des Nordens“ bezeichnet

Viele Spekulationen sind über die Identität der jungen Frau auf dem Porträt entstanden, wobei die häufigste Theorie besagt, dass es sich um ein Gemälde von Maria Vermeer handelte, der ältesten Tochter des Malers

Eine umstrittene Tatsache des Mädchens mit dem Perlenohrring ist diese Weile Es wird allgemein als eines der bedeutendsten Porträts aller Zeiten angesehen, es ist kein echtes Porträt im technischen Sinne

Stattdessen wurde es als „Tronie“ bezeichnet, was im Goldenen Zeitalter der Niederlande eine beliebte Art der Malerei war

Eine Tronie war typischerweise eine Studie einer nicht identifizierten Person, die zum Gegenstand des Kunstwerks wurde

Diese Personen trugen auch luxuriöse Kleidungsstücke und standen vor einem einfachen und klaren Hintergrund, der ihren anonymen Charakter weiter betonte.

Mädchen mit einem Perlenohrring (um 1665) von Johannes Vermeer; Johannes Vermeer, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Das Mädchen, das den Betrachter fest anstarrt, wurde mit einem fesselnden Ausdruck dargestellt, der beim Betrachten der Arbeit die Neugier des Publikums weckt

Vermeer wurde für seinen unglaublichen Grad an Realismus sowie für seine Fähigkeit gelobt, die dezenten Wechsel zwischen Hell und Dunkel einzufangen

Sie trägt einen leuchtend blauen Turban, der sich wunderbar von ihrem gelben Kleid und dem Stück Stoff hinter ihrer Schulter abhebt, und erzeugt ein dramatisches Bild

Dies trug dazu bei, den Fokus auf das Hauptelement der Arbeit zu lenken, nämlich ihren glitzernden Perlenohrring, der zu sehen ist

Arrangement in Grey and Black No

1 (1871) von James McNeill Whistler

Künstler James McNeill Whistler Datum 1871 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 144,3 cm x 162,4 cm Wo es sich derzeit befindet Musée d’Orsay, Paris

Der amerikanische Künstler James McNeill Whistler schuf mit seiner Kreation von Arrangement in Gra18y and Black No

1 auch eines der berühmtesten Porträts der Geschichte

Besser bekannt als Whistlers Mutter, schuf Whistler dieses bekannte Porträt seiner Mutter, Anna McNeill Whistler, nachdem sein Modell den Termin nicht wahrnehmen konnte und er seine Mutter bat, für sein Motiv einzuspringen

Whistlers Mutter stellte sich ursprünglich vor, wie sein Modell für dieses Porträt aufrecht stand, und fühlte sich zu unwohl, um längere Zeit zu stehen, also änderte er seine ursprüngliche Idee

Obwohl dieses Porträt als berühmtes amerikanisches Kunstwerk existiert, hatte Whistler nicht die Absicht, ein Porträt zu schaffen

Arrangement in Grau und Schwarz Nr

1 oder Whistlers Mutter (1871) von James McNeill Whistler; James McNeill Whistler, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Damals fand er viele Ähnlichkeiten zwischen Musik und Malerei, was dazu führte, dass er viele seiner Kunstwerke mit dem Namen „Harmonie“ und anderen musikalischen Wörtern bezeichnete

Als er dieses Werk Arrangement in Grey and Black No

1 betitelte, war es Whistlers ganzes Ziel, den Tonwert in seinem Werk über alle anderen Interpretationen zu stellen

Seine Mutter wurde jedoch schnell zum Mittelpunkt der Arbeit, was zu dem Gemälde führte als Porträt gesehen werden

Whistler gelang es, seine damals 67-jährige Mutter in einem Zustand der Trauer festzuhalten

Sie wurde nur in schwarzer Kleidung mit einem sehr düsteren Ausdruck auf ihrem älteren Gesicht dargestellt, was Whistler viel Lob für seine Fähigkeit einbrachte, so tiefe Emotionen darzustellen, indem er nur das Seitenprofil seines Motivs verwendete

Neben seiner Mutter, die vor einer grauen Wand sitzt, sind auf dem Gemälde verschiedene Schattierungen von dunklen und hellen Tönen zu erkennen

Dies trug zu dem erhöhten Grad an Realismus bei, der selten in solch düsteren und traurigen Werken zu sehen war

Porträt von Madame X (1884) von John Singer Sargent

Künstler John Singer Sargent Datum 1884 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 234,9 cm x 109,8 cm Wo es sich derzeit befindet Metropolitan Museum of Art, New York City

Ein weiterer amerikanischer Künstler, der unsere Liste berühmter Porträtkünstler erstellt hat, ist John Singer Sargent, der das Porträt von Madame X geschaffen hat

Sargents Porträt stahl die Herzen von Kunstliebhabern auf der ganzen Welt, als sein Werk zum ersten Mal enthüllt wurde, wobei sich die Betrachter auf die zarte Schönheit konzentrierten, die er ausstrahlte geschafft zu porträtieren

Viele Kritiker und Beamte sahen dieses Kunstwerk jedoch anders und erklärten, es sei viel zu provokativ, um so verehrt zu werden, wie es damals in Frankreich war

Das Thema des Gemäldes war Virginie Amélie Avegno Gautreau, eine junge Prominente, die die war Ehefrau des erfolgreichen französischen Bankiers Pierre Gautreau.

Porträt von Madame X (Madame Pierre Gautreau) (1883-1884) von John Singer Sargent; Metropolitan Museum of Art, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Das Porträt von Madame X gehörte nicht zu Sargents Auftragsarbeiten, da er ausdrücklich darum bat, seine Mitbürger zu malen, während sie beide in Paris waren

Sargent malte sein Motiv in einem schwarzen Satinkleid mit juwelenbesetzten Trägern, die gleichzeitig Aspekte ihres Körpers enthüllten und verbargen

Der blasse Ton ihrer Haut bildete einen schönen Kontrast zu der dunklen Farbe ihres Kleides und ihres Hintergrunds

Als Sargent seine Arbeiten 1884 im Pariser Salon präsentierte, stieß er auf massiven Aufruhr der konservativen Mitglieder der französischen Gesellschaft

Diese Reaktion zwang ihn schließlich, das Land zu verlassen und nach London zu ziehen

Während Sargent versuchte, Madame Gautreaus Namen durch den anonymen Titel des Werks zu verbergen, erwies sich sein Versuch als nutzlos

Zeitungen veröffentlichten unzählige Cartoons und satirische Gedichte, die sowohl sie als auch Sargent verspotteten, wobei diese Kritiker das unglaubliche Maß an Realismus in seiner Malerei nicht erkannten.

Porträt einer jungen Frau (um 1885) von Edgar Degas

Künstler Edgar Degas Datum c

1885 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 27,3 cm x 22,2 cm Wo es sich derzeit befindet Metropolitan Museum of Art, New York City

Der ikonische Künstler Edgar Degas experimentierte während seiner Karriere ein wenig mit der Porträtmalerei und schuf als Ergebnis das Porträt einer jungen Frau

Als bekannter impressionistischer Maler war Degas vor allem für seine Darstellung von Ballerinas und den Einfluss, den die Fotografie auf seine Gemälde hatte, bekannt

In seinem Porträt, das schnell fertiggestellt zu sein scheint, porträtierte Degas eine junge Frau mit unklarem Gesichtsausdruck ihr Gesicht, das noch dadurch betont wurde, dass ihr Blick nicht in die Augen der Betrachter trifft

Porträt einer jungen Frau (um 1885) von Edgar Degas; Edgar Degas, CC0, über Wikimedia Commons

Da sowohl im Hintergrund der Arbeit als auch in der Kleidung der Frau grobe Pinselspuren zu sehen sind, wirkt das Gemälde sehr gehetzt

Degas, der gut darin war, die Feinheiten von Gesten und Mimik zu erkennen, konzentrierte sich ganz darauf, den Ausdruck und den nachdenklichen Blick der Frau einzufangen

Die Verwendung von gestischen Pinselstrichen bringt etwas Bewegung in die ansonsten stille Malerei und zeigt, dass Hintergrund und Kleidung im Vergleich zum neugierigen Blick auf dem Gesicht der Frau von untergeordneter Bedeutung sind

Selbstbildnis mit Strohhut (1887) von Vincent van Gogh

Künstler Vincent van Gogh Datum 1887 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 40,6 cm x 31,8 cm Wo es derzeit untergebracht ist Metropolitan Museum of Art, New York City

Ein Künstler, der vor Experimenten mit der Porträtmalerei nicht zurückschreckte, war der weltberühmte Vincent van Gogh, von dem bekannt ist, dass er über 35 Porträts von sich selbst gemalt hat

Trotz der intensiven Auseinandersetzung mit dem Malstil wurde nur ein einziges Porträt von ihm von einem anderen Künstler gemalt

Eines seiner berühmten Porträts ist das Selbstporträt mit Strohhut, von dem er 1887 fünf verschiedene Versionen malte

Van Gogh genoss es, sein eigenes Modell zu sein, um seine Porträttechniken zu üben, und kaufte speziell für diesen Zweck einen ausreichend guten Spiegel -Porträt mit Strohhut (1887/1888) von Vincent van Gogh; Vincent van Gogh, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Van Gogh zeigte großes Interesse am menschlichen Gesicht, was in den zahlreichen Selbstporträts, die er produzierte, zu sehen war

Er begann sein Selbstporträt mit einer Strohhut-Serie zwischen 1886 und 1888, als er mit seinem Bruder in Paris lebte, um zu versuchen, die Gefühle, die er zu dieser Zeit empfand, genau darzustellen

In diesem speziellen Gemälde offenbarte van Gogh seinen Zusammenbruch geistige und körperliche Gesundheit durch den engen Mund, den er malte, und die tiefen Farben und Schatten, die er wählte, wobei der wilde Hintergrund seinen Niedergang weiter betonte

In seinem Porträt porträtierte van Gogh sich normalerweise mit einem gelben Strohhut und einem blauen Arbeitsmantel von Landarbeitern getragen

Dies alles wurde bewusst gewählt, was van Gogh dazu veranlasste, dieses spezielle Outfit mehrmals zu tragen, während er weiterhin verschiedene Versionen von Selbstporträt mit Strohhut malte

Die Kleidung soll zu van Goghs Selbstverständnis als Künstler eines arbeitenden Mannes passen, wobei die Kleidung das Bild ausdrückt, das er darzustellen versuchte

Frau mit Hut (1905) von Henri Matisse

Künstler Henri Matisse Datum 1905 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 80,6 cm x 59,6 cm Wo es derzeit untergebracht ist San Francisco Museum of Modern Art, San Francisco

Zu Beginn des 20

Jahrhunderts wurde Henri Matisse ein weiterer Künstler, der unserer Liste berühmter Porträtkünstler hinzugefügt werden konnte, als er Frau mit Hut schuf

Er schuf dieses vielfarbige Porträt seiner Frau Amélie, das sich im Pariser Salon in jenem Jahr durch seine Farbbrillanz auszeichnete

Matisse verfolgte eine ganz andere Herangehensweise an die Porträtmalerei, denn anstatt zu versuchen, seine Darstellung so realistisch wie möglich zu gestalten, fügte er so viel Farbe wie möglich hinzu, um die Emotionen, die er in seinen Werken empfand, angemessen auszudrücken bei „Woman with a Hat“ wurde gemacht, um den Zuschauern zu demonstrieren, wie sehr er seine Frau liebte, und außerdem fröhlich auf ihren eigentlichen Beruf als Besitzerin eines Hutgeschäfts hinzuweisen

Matisse und seine Frau waren schließlich mehr als 40 Jahre verheiratet Trennung, weil er ihr bekanntlich sagte, dass er „immer mehr lieben würde zu malen“

Frau mit Hut existiert dann als Gedenken an ihre lange Ehe

Die kühne und beispiellose Farbkombination in Frau mit Hut verärgerte die Öffentlichkeit sehr, als sie 1905 im Salon ausgestellt wurde, wobei die Öffentlichkeit überwiegend negative Kritiken über das Werk berichtete

Dies lag zum Teil daran, dass sich der Stil des Fauvismus, den Matisse gerade durch seine früheren Werke eingeführt hatte, stark von dem Stil unterschied, an den die Öffentlichkeit bereits gewöhnt war

Dieses Gemälde festigte den Stil des Fauvismus weiter, da es den raschen Wandel demonstrierte Kunstgeschehen, das das Publikum erheblich in Rage versetzte

Portrait von Adele Bloch Bauer I (1907) von Gustav Klimt

Künstler Gustav Klimt Datum 1907 Medium Öl, Silber und Gold auf Leinwand Abmessungen 138 cm x 138 cm Wo es sich derzeit befindet Neue Galerie, New York City

Eines der bekanntesten und berühmtesten Porträtgemälde ist das Porträt von Adele Bloch Bauer I, das 1907 vom österreichischen Künstler Gustav Klimt gemalt wurde

Klimts Porträt, auch „Die Dame in Gold“ und „Die Frau in Gold“ genannt, war von Adele Bloch -Bauer, eine wohlhabende Jüdin aus Wien

Das Porträt wurde Klimt von ihrem Ehemann, dem jüdischen Bankier und Zuckerproduzenten Ferdinand Bloch-Bauer, in Auftrag gegeben

Zu dieser Zeit hatte Klimt seine Identität als Maler attraktiver Frauen innerhalb der jüdischen Wiener Gesellschaft gefestigt

Dieses Porträt gilt als Klimts repräsentativstes Werk, das er während seiner goldenen Phase geschaffen hat Gustav Klimt; Gustav Klimt, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Durch die Verwendung von Silber und Gold zusätzlich zur Farbe auf der Leinwand gelang es Klimt, eine wirklich ätherische Darstellung von Adele Bloch Bauer zu schaffen, die durch den starken Fokus, den er in dieser Arbeit auf die Weiblichkeit legte, weiter hervorgehoben wurde

Das Gold, das Frau Bloch Bauer umgab, beleuchtete ihre Figur und ihre wohldefinierten Gesichtszüge.

Als vielbewunderte Kunstförderin deutete diese Illumination weiter an, wie sehr sie in der Kunstwelt geliebt wurde

Porträt von Adele Bloch Bauer I wurde angeblich als Jubiläumsgeschenk für Ferdinands Schwiegereltern gemalt, wobei das Gemälde in der Familie verblieb Leihgaben an Museen und Galerien zur Ausstellung

Als Frau Bloch Bauer jedoch 1925 starb, bat sie darum, das Werk der Österreichischen Staatsgalerie in Wien zu schenken

Ihre Familie war anderer Meinung, als das Gemälde schließlich 1941 von den Nazis erbeutet wurde

Nach dem Krieg wurde das Gemälde erst 2006 an die Familie Bloch-Bauer zurückgegeben, die es Monate später für 135 Millionen Dollar verkaufte

American Gothic (1930) von Grant Wood

Künstler Grant Wood Datum 1930 Medium Öl auf Biberkarton Abmessungen 78 cm x 65,3 cm Wo es derzeit untergebracht ist Art Institute of Chicago, Chicago

Ein weiteres amerikanisches Gemälde, das auf der Liste der berühmtesten Kunstporträts steht, ist American Gothic, das 1930 von Grant Wood gemalt wurde

Wood schuf dieses Porträt, nachdem er das Dibble House in Eldon, Iowa, gesehen hatte und sich von der Architektur des 19

Jahrhunderts inspirieren ließ des Bauernhauses

Um die neugotische Szene zu schaffen, die er wollte; Wood enthielt Porträts der Art von Menschen, von denen er dachte, dass sie in diesem Haus leben sollten

Er skizzierte das Haus zuerst auf der Rückseite eines Umschlags und nachdem er die Erlaubnis seiner Besitzer erhalten hatte, begann er zu malen

American Gothic (1930) von Grant Wood; Grant Wood, gemeinfrei, über Wikimedia Commons

Während viele Leute dachten, dass das melancholische Paar auf einem echten Bauernpaar basiert, entschied sich Wood dafür, seine jüngere Schwester Nan Wood Graham und den Zahnarzt Dr

Bryan McKeeby zu malen

Er beabsichtigte, die Personen als Vater und Tochter darzustellen, war jedoch offen für die Interpretationen der Zuschauer, als klar wurde, dass andere sie als verheiratetes Paar betrachteten

Er erklärte, dass ihre Beziehung als wichtigstes Element von geringer Bedeutung sei Arbeit war, ob ihre Gesichter dem amerikanischen Leben treu waren und Aspekte des amerikanischen Lebens offenbarten oder nicht die 1920er

Woods Gemälde spiegelte den fleißigen amerikanischen Geist wider, auf den die Bürger sehr stolz waren, und ist zu einem klassischen und oft parodierten Werk der amerikanischen Kultur geworden

Wood präsentierte American Gothic 1930 auf der Jahresausstellung des Art Institute of Chicago, wo es eine Bronzemedaille gewann

Das Museum erwarb das Gemälde, wo es sich noch heute befindet

Le Réve (1932) von Pablo Picasso

Künstler Pablo Picasso Datum 1932 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 130 cm x 97 cm Wo es sich derzeit befindet Privatsammlung

Pablo Picasso ist wohl einer der größten Maler aller Zeiten, wobei Le Réve als sein berühmtestes Porträt aller Zeiten gilt

Das Thema dieses Porträts war Marie-Thérèse Walter, die damals 22-jährige Geliebte von Picasso

Im Gegensatz zu Picassos anderer Geliebter Dora Maar, die er regelmäßig als gequält oder bedrohlich porträtierte, entschied er sich dafür, Marie-Thérèse als fröhliche und helle Figur mit schönen blonden Haaren darzustellen, die sehr einladend und warm wirkte Kontrastfarben verstärkten die Betonung von Picassos Porträt, da es dem frühen kubistischen und fauvistischen Stil der 1910er Jahre ähnelte

Le Réve gehörte zu Picassos Zeit der verzerrten Darstellungen, da seine verzerrte Darstellung von Marie-Thérèse es dem Betrachter extrem schwer machte automatisch Figur identifizieren

Picasso schuf viele Werke mit offensichtlichen Elementen der Erotik, wobei Le Réve Kritiker und Betrachter verärgerte, als es zum ersten Mal mit den unglaublich sinnlichen und unzüchtigen Abschnitten ausgestellt wurde, die zu sehen waren.

Dies lag daran, dass Picasso auf die eine Seite des geneigten Gesichts seiner Geliebten etwas malte, das wie ein erigierter Penis aussah, der angeblich seinen eigenen symbolisierte

Die in diesem Abschnitt des Kunstwerks verwendete Farbe trug auch zu der Idee bei, dass tatsächlich ein Penis abgebildet war, da Picasso für diese bestimmte Hälfte ihres Gesichts einen sehr neutralen und fleischfarbenen Ton wählte

2013 schrieb „Le Réve“ Geschichte als das fünftexorbitanteste Gemälde, das jemals für 155 Millionen Dollar verkauft wurde

Dieser Preis blieb 2017 der zweithöchste Preis, der je für ein Picasso-Gemälde gezahlt wurde

Die zwei Fridas (1939) von Frida Kahlo

Künstler Frida Kahlo Datum 1939 Medium Öl auf Leinwand Abmessungen 173,5 cm x 173 cm Wo es sich derzeit befindet Museo de Arte Moderno, Mexiko-Stadt

Die Künstlerin, die als eine der berühmtesten Porträtkünstlerinnen aller Zeiten eingestuft wurde, war Frida Kahlo, die im Laufe ihrer Karriere viele ikonische Selbstporträts malte

The Two Fridas existiert als eine sehr seltsame, aber zum Nachdenken anregende Darstellung der Doppelnatur des Lebens der Künstlerin zu dieser Zeit, da Kahlo dieses Porträt zum Zeitpunkt ihrer Scheidung von ihrem Künstlerkollegen Diego Rivera malte

Es war bekannt, dass sie eine sehr explosive und unvorhersehbare Beziehung hatten, oft heirateten, sich scheiden ließen und dann wieder heirateten

In The Two Fridas sind zwei Versionen von Kahlo gemalt

Beide Darstellungen von Kahlo sitzen auf anmutige, aber rätselhafte Weise, während sie die Betrachter unentwegt anstarren

Die linke Version trägt ein elegantes Kleid im europäischen Design, das bei wohlhabenderen Mexikanern beliebt war, da es Wohlstand symbolisierte

Die Version auf der rechten Seite trägt ein traditionelleres mexikanisches Kleid in vielen Farben

Diese beiden Frauen zeigten deutlich den starken Einfluss, den Europa zu dieser Zeit auf die Essenz des mexikanischen Erbes ausübte

Möglicherweise der größte Schwerpunkt in Die zwei Fridas sind die zwei lebensechten und grausamen Herzen, die Kahlo gemalt hat

Da die eher europäische Version von sich selbst mit einem gebrochenen Herzen gezeigt wird, können die Betrachter deutlich sehen, wo Kahlos eigenes Herz wirklich liegt, da die traditionelle Frida auf der rechten Seite ein lebendiges und gesundes Herz hat

Dieses Gemälde, sowie die Mehrheit von Kahlos anderen Selbstporträts existiert als tiefe symbolische Darstellung der physischen und psychischen Traumata, mit denen sie in diesem Moment konfrontiert war, wobei dieses Porträt den tiefen Verlust darstellt, den sie empfand

Marilyn Diptych (1967) von Andy Warhol

Künstler Andy Warhol Datum 1962 Medium Siebdrucktinte und Acrylfarbe auf Leinwand Abmessungen 205,4 cm x 289,5 cm Wo es sich derzeit in der Tate, London befindet

Der letzte Künstler und Kunstwerk auf unserer Liste berühmter Porträtgemälde ist Andy Warhols Marilyn Diptychon, das er 1962 geschaffen hat

Dieses monumentale Pop-Art-Siebdruckgemälde stellte die ikonische amerikanische Schauspielerin Marilyn Monroe dar und galt als das bekannteste Werk von Warhol das zeigte die Schauspielerin

Warhol betrachtete Monroe als unerschöpfliche Inspirationsquelle und machte sich daran, ihr Porträt in einer Reihe farbenfroher Drucke zu vervielfältigen

Dieses Porträt entstand kurz nachdem die Schauspielerin 1962 an einer Überdosis Drogen gestorben war

Das Diptychon enthält ein Foto von Monroe, das mehrfach in Farbe und Schwarzweiß vervielfältigt wurde

Warhol verwendete ein Werbefoto aus ihrem Film Niagara von 1953 als sein Quellenmaterial

Das Originalfoto wurde in Schwarzweiß aufgenommen und zeigte Monroe mit ihrem ikonischen Lächeln, das eingefroren war

In den farbigen Porträts, die Warhol schuf, verwendete er leuchtende Farben für ihr Gesicht, um ihr Make-up stark zu intensivieren.

Aufgrund der übermäßigen Farbe, die Warhol verwendete, kann Marilyn Diptych zu bestimmten Zeiten wie eine echte Darstellung von Monroe aussehen

Zu anderen Zeiten kann dieses Diptychon völlig andere Darstellungen annehmen, da die unglaublich lebendigen Farben von Monroes vielfältigen Gesichtern die Augen des Betrachters extrem hart treffen

Die Verwendung kontrastierender Leinwände deutete auf Monroes gegensätzliches öffentliches und privates Selbst hin und war Warhols seltsame Art, ihre brillante Präsenz in Hollywood in den 1950er und 1960er Jahren zu preisen, da sie zu diesem Zeitpunkt eine der berühmtesten lebenden Frauen war

In der sich entwickelnden Kunst Welt existiert die Porträtmalerei als eine der wenigen antiken Kunstgattungen, die noch heute verwendet werden

Während wir nur 15 der berühmtesten Kunstporträts aller Zeiten behandelt haben, können unserer Liste viele andere wichtige und ebenso berühmte Porträtgemälde hinzugefügt werden

Bemerkenswerte Künstler, die sich auf Porträts spezialisiert haben, haben oft mehr als ein bekanntes Porträt geschaffen, was bedeutet, dass es noch viele andere Kunstwerke zu entdecken gibt

Wenn Ihnen dieser Artikel gefallen hat, empfehlen wir Ihnen dringend, sich über diese anderen Werke zu informieren

Schauen Sie sich hier unsere berühmte Porträt-Webstory an!

Häufig gestellte Fragen

Darf ein Porträt nur eine Person enthalten?

Mehrere berühmte Porträtkünstler haben ikonische Porträts geschaffen, die aus mehr als einer Person bestehen

Diese werden im Allgemeinen als „Gruppenporträts“ bezeichnet, bei denen jeder Einzelne eine Pose einnimmt und seinen besten Ausdruck zeigt

Gruppenporträts waren und sind für Familienporträts unglaublich beliebt, wobei die bekanntesten Beispiele für königliche Familien in Auftrag gegeben wurden

Heutzutage können Familienporträts immer noch durch Malerei festgehalten werden, aber die moderne Erfindung der Fotografie hat es Einzelpersonen ermöglicht, ihre eigenen Porträts zu erstellen, ohne einen Künstler zu benötigen

Was ist das berühmteste Porträt, das es gibt? Wenn wir die Liste der berühmten Porträts weiter auf ein einziges Gemälde einschränken müssten, wäre das berühmteste Porträt definitiv Leonardo da Vincis Mona Lisa

Als teuerstes Gemälde der Welt gilt Mona Lisa weithin als das beste Kunstwerk, das jemals produziert wurde, unabhängig von seinem Genre

Die im Louvre in Paris gelegene Mona Lisa zieht jährlich mehr als 10 Millionen Besucher an

Das Kunstwerk hat täglich zwischen 30.000 und 50.000 Menschen beherbergt, wobei 80 % der Museumsbesucher nur kommen, um da Vincis Gemälde zu sehen.

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Portrait painting is a genre in painting, where the intent is to represent a specific human subject.The term ‘portrait painting‘ can also describe the actual painted portrait. Portraitists may create their work by commission, for public and private persons, or they may be inspired by admiration or affection for the subject.

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09/03/2022 · The six-episode docuseries about the Pittsburgh-born artist premiered Wednesday on Netflix.

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Famous Portrait Paintings – Looking at the Most Famous Art Neueste

26/01/2022 · This monumental Pop art silkscreen painting depicted the iconic American actress Marilyn Monroe and was noted for being the most well-known work of Warhol’s that featured the actress. Warhol considered Monroe to be an endless source of inspiration and set out to multiply her portrait in a series of colorful prints.

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Experience portraiture beyond the frame. Our collections present people of remarkable character and achievement. These Americans—artists, politicians, scientists, inventors, activists, and performers—form our national identity. They help us understand who we are and remind us of what we can aspire to be. Get to know us at the National Portrait Gallery.

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Pop Art – Artyfactory Neueste

Pop Art was brash, young and fun and hostile to the artistic establishment. It included different styles of painting and sculpture from various countries, but what they all had in common was an interest in mass-media, mass-production and mass-culture. … a portrait of ‘Elizabeth Taylor’ or the ‘Electric Chair’, …

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Earliest art. The earliest English art – also Europe’s earliest and northernmost cave art – is located at Creswell Crags in Derbyshire, estimated at between 13,000 and 15,000 years old. In 2003, more than 80 engravings and bas-reliefs, depicting deer, bison, horses, and what may be birds or bird-headed people were found there. The famous, large ritual landscape of Stonehenge dates from …

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23/02/2022 · Art World Art Industry News: Larry Gagosian Once Refused to Sell Jennifer Lawrence a Portrait of Herself + Other Stories. Plus, American museums plan to staff back up, and another cultural …

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Michael Jackson Pop Art Portrait | WPAP | Easy Art Update

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10 Portrait Projects to Build Skills and Creativity – The … Aktualisiert

23/02/2018 · Pop Art images for inspiration; Procedures. Have students view examples of several Pop artists, focusing on the work of Andy Warhol. Discuss the idea of repetition present in the work and how that relates to digital photography. Have students look in a mirror and discuss what they see. Have students partner up and take digital photos of each other.

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TIME-LAPSE OIL \u0026 ACRYLIC PAINTING ll DECONSTRUCTED REALISM – ‘Natalya’ Update

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